LOS COMPOSITORES: MANUEL DE FALLA (ACERCA DE LA MELODÍA DE LA SEMANA: DEL 20 AL 26 DE JUNIO DE 2011)

Manuel María de los Dolores Falla y Matheu nació el 23 de noviembre de 1876, en el domicilio familiar de la Plaza de Mina número 3, en Cádiz, hijo de José María Falla y Franco y de María Jesús Matheu y Zabala. Sus primeras lecciones de solfeo las recibió de su madre, que era intérprete de piano; después, continuó su formación con Eloísa Galluzo, profesora de piano.

A los quince años, sin embargo, sus intereses eran, principalmente, la literatura y el periodismo. Con un grupo de amigos fundó la revista literaria "El Burlón", y en 1890 participó en una segunda titulada "El Cascabel", que terminó dirigiendo. En 1893, tras asistir a un concierto en Cádiz donde se interpretaron, entre otras, obras de Edward Grieg, sintió que su vocación definitiva era la música.

Falla, "Noches en los jardines de España".
Fuente: flickr.com.

A partir de 1896 comenzó a asistir al Real Conservatorio de Música y Declamación, en Madrid, donde se graduó con honores en 1899. En 1904 compone la ópera "La vida breve", en colaboración Carlos Fernández Shaw; esta obra se hizo acreedora del primer premio de un concurso convocado por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Curiosamente, "La vida breve" se estrenó en francés (sobre una adaptación de Paul Milliet), en el Casino Municipal de Niza, el 1 de abril de 1913.

La acción de "La vida breve" se sitúa en Granada, a principios del siglo XX (ciudad que Falla aún no conocía cuando compuso esta ópera). Los personajes son:

Salud, joven granadina (soprano).

Abuela de Salud (mezzosoprano).

Carmela, prometida de Paco (mezzosoprano).

Tío de Salud (barítono o bajo).

Paco, novio de Salud, comprometido con Carmela (tenor).

Parientes de Carmela y Paco, invitados, comerciantes.

Alhambra. Fuente: flickr.com.

Acto I

En el cuadro primero nos encontramos en el patio de una casa humilde, donde Salud espera a Paco. Se oyen coros lejanos: son los herreros del barrio del Albaicín, que cantan mientras realizan su duro trabajo: "¡Malhaya quien nace yunque, en vez de nacer martillo...!", melodía que resonará como un leitmotiv a lo largo de toda la obra. Aparece Paco, y junto a Salud se unen en un dúo de amor. El tío Salvador sabe que Paco está comprometido con una joven de familia rica. Cuando Paco jura lealtad a Salud, el tío Salvador se lanza furioso sobre él, pero la abuela lo detiene.

  

El cuadro segundo describe con gran belleza una puesta de sol en Granada.

Acto II

Salud se entera de la boda de su amado. Desesperada, corre a casa de la novia, recordando con dolor los falsos juramentos de Paco. El novio desleal la oye. Carmela, mientras tanto, recibe a los invitados. Salud y su tío se sienten extraños entre personas tan elegantes. Para defenderse de las acusaciones de Salud, Paco asegura que no la conoce y afirma que está loca. Salud, pronunciando suavemente su nombre, muere a sus pies: "¡Malhaya quien nace yunque...!".

Aunque ésta es la melodía de la semana: "Danza" de "La vida breve", escuchemos también, asimismo de "La vida breve": "Interludio y danza".

 ______________________________________

En los años siguientes, Falla continuó formándose en París, y viajó a Suiza e Italia. En 1915, ya de vuelta en Madrid, estrena la primera versión de "El amor brujo", así como "Noches en los jardines de España". Comienza a trabajar en la pantomina "El corregidor y la molinera", basada en "El sombrero de tres picos", de Pedro Antonio de Alarcón; dicha obra se estrenó en 1919, en el Alhambra Theatre de Londres, con decorados y figurines de Pablo Picasso, con el título también de "El sombrero de tres picos"; ésta es la: "Introducción".

Con motivo de un homenaje que, ese mismo año, le tributó el Centro Artístico de Granada, Falla realizó un viaje a esa ciudad (que, recordemos, aún no conocía), donde acaba fijando su residencia. Durante esta etapa, estuvo muy vinculado con la vida cultural andaluza, y frecuentó la amistad de personajes como Miguel Cerón, Fernando de los Ríos, Manuel Ángeles Ortiz y, sobre todo, Federico García Lorca, cuyo asesinato supuso un terrible golpe para el maestro. Una vez finalizada la Guerra Civil Española, Manuel de Falla se exilia a Argentina, donde fallece el 14 de noviembre de 1946.

(Fuentes: wikipedia, flickr y www.epdlp.com).

VOCES PARA LA HISTORIA: PILAR LORENGAR

Lorenza Pilar García Seta, de nombre artístico Pilar Lorengar, nació en Zaragoza, el 16 de enero de 1928. De familia humilde, sus cualidades vocales se manifestaron en el coro del colegio, aunque la depauperada situación familiar le obligó a interrumpir sus estudios y a ponerse a trabajar con sólo catorce años. Tras su participación en un programa de radio local, dos hermanas profesoras de canto (Berta y Margarita Martínez), decidieron ofrecerle clases gratuitas a fin de sacar adelante las más que prometedoras cualidades vocales de la muchacha.

Tras actuar en un fin de fiesta en la compañía de zarzuela de Pepita Embil (madre del tenor Plácido Domingo), pasó por varios cafés de su ciudad natal y de otras ciudades españolas hasta que, a los diecisiete años, ingresa en el Conservatorio de Barcelona, ciudad a la que se había trasladado con su madre, tras la ruptura del matrimonio García Seta. Inició, por tanto, sus estudios vocales en el Conservatorio del Liceo, y lo hizo como mezzo-soprano aunque, después de trasladarse a Madrid y conocer a Ángeles Ottein, la que sería su maestra definitiva, comenzó a trabajar la tesitura de soprano, en la que acabaría por cantar.

Ya en Madrid, comienza a abrirse paso en el mundo musical cantando en la radio y en diversas compañías de zarzuela (formaría parte, por ejemplo, del primer elenco de "El canastillo de fresas", de Jacinto Guerrero, junto al tenor Enrique de la Vara, del que ya he hablado en el blog); al mismo tiempo, trabajó como dependienta de comercio para pagarse los estudios. Estrenó, junto a la también soprano Toñy Rosado, "Primavera en el Portal", pieza navideña de García Leoz, en el Teatro Español de Madrid, gracias a la cual empezó a ser conocida por el público.

La musicalidad y capacidad de estudio de Pilar Lorengar llamaron pronto la atención de Ataúlfo Argenta, que le concedió su primera gran interpretación, "La Cuarta Sinfonía" de Gustav Mahler, con la Orquesta Nacional de España. De esta manera, ya desde sus comienzos, la carrera de Pilar Lorengar alcanza una dimensión artística y una amplitud de repertorio que sólo sería seguida por alguna de las voces del momento, como la de Victoria de los Ángeles o Toñy Rosado o, poco después, la de Teresa Berganza.

Portada de "La Flauta Mágica", de Mozart.
Fuente: flickr.com.

En 1950 se produce su debut operístico en la Ópera de Orán (que entonces era colonia española), donde da vida al personaje titular de "Maruxa", ópera de Amadeo Vives. Por estos mismo años, Ataúlfo Argenta hace de ella la protagonista de la mayor parte de sus grabaciones de zarzuelas, como "La tempestad", de Amadeo Vives, "El tambor de granaderos" y "El rey que rabió", las dos últimas de Ruperto Chapí, así como "Jugar con fuego", de Jacinto Barbieri. En 1952 realiza sus dos únicas incursiones en el cine: "Último día" y "Las últimas banderas".

Pronto da el salto internacional, de nuevo con Ataúlfo Argenta, quien la lleva a cantar a París. Desde aquí, la carrera de Pilar Lorengar se extiende por los mejores teatros y salas de concierto del mundo, como el Festival de Aix-en-Provençe, donde interpreta a Querubino en "Las bodas de Fígaro", de Mozart, representación de la que se conserva una grabación radiofónica que atestigua la calidad de la jovencísima soprano; después, cantaría en el Metropolitan de Nueva York ("Goyescas", de Granados) y en el Convent Garden de Londres ("La traviata", de Verdi).

En 1958 firma un contrato con la Staatsoper de Berlín, de cuyo elenco (al que pertenecian la soprano Gundula Janowitz y el barítono Dietrich Fischer-Dieskau) pasa a formar parte y, con los años, a ser figura principal. En 1984 fue nombrada Miembro de Honor de dicho teatro. Su relación con la Staatsoper se mantendrá hasta 1989, fecha en la que ciertas diferencias con la administración del teatro la llevaron a suspender su contrato. Veamos y escuchemos su portentoso arte en el "Ave María" del "Otello" de Verdi:

A partir de su admisión en la ópera berlinesa, la relación de la cantante zaragozana con Alemania será cada vez mayor, hasta que fije su residencia en Berlín y se nacionalice alemana. Por el contrario, su relación con España disminuirá, debido en buena medida a la falta de interés de los españoles por lo que sucediera fuera de nuestras fronteras, así como por la tendencia creciente de ciertos cantantes a copar los escenarios a partir de mediados de los años sesenta. Muestra más que sobrada de tal alejamiento es el hecho de que hasta 1987 no debutara Pilar Lorengar en el Liceo Barcelonés (con la Elsa de "Lohengrin", de Wagner). Mayores, aunque nunca demasiados, serán sus contactos con Madrid, donde interpretó todavía en la década de los ochenta la Alice Ford del "Falstaff" de Verdi y la Desdémona del "Otello" del mismo compositor. En 1990, tras recibir el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, anunció su retirada de los escenarios.

Su inteligencia y capacidad de trabajo le permitieron abordar un repertorio más amplio que el de la mayoría de las cantantes de su tiempo. El peculiar timbre de su voz, provisto de un vibrato natural, le acarreó injustas críticas en ocasiones. De su repertorio, cabe destacar papeles como los mencionados en "Otello", "Falstaff" o "La traviata", así como las heroínas puccinianas (Butterfly, Tosca o Mimì) y varios de los personajes principales de las óperas de Mozart y de buen número de óperas del repertorio alemán. Asimismo, fue de las primeras sopranos en abordar el repertorio barroco. Destacó también como intérprete de música española y, asimismo, como excelente intérprete de los "lieder" de Brahms y Hugo Wolf.

Murió en Berlín, el 3 de junio de 1996.

Escuchémosla en "Turandot", de Puccini: "Tu que di gel sei cinta".

(Fuente: www.biografiasyvidas.com, www.epdlp.com y www.youtube.com).

LOS DIRECTORES: HERBERT VON KARAJAN

Herbert von Karajan nació en Salzburgo, el 5 de abril de 1908. Fue uno de los más destacados y prolíficos directores de orquesta austríacos del período de postguerra. Dirigió la Orquesta Filarmónica de Berlín durante treinta y cinco años. Realizó más de 900 grabaciones de las que se han vendido en el mundo más de 300 millones de discos.

Fuente: flickr.

Orígenes

Era hijo de una familia de la alta burguesía de Salzburgo, de ascendencia griega. Su tatarabuelo, Georg Johannes Karajoannes ("kara" significa "negro" en turco), nació en Kozani, en el tiempo en el que el pueblo pertenecía al imperio otomano (hoy Macedonia Griega) y se trasladó a Viena en 1767 y después, finalmente, a Chemnitz, en Sajonia. Él y su hermano participaron en la industria de la fundación del vestido en Sajonia. El rey Federico Augusto I, ennobleció a ambos por sus servicios en 1 de junio de 1792:  así, se añadió el "von" al nombre familiar, y Karajoannes se convirtió en Karajan.

Primeros años

Dado que había nacido en Salzburgo, y que su padre era clarinetista aficionado y su hermano organista, la música fue algo habitual para Karajan desde su más tierna infancia. El primer instrumento del pequeño Herbert fue el piano, en cuya práctica se inició en el prestigioso Mozarteum de su ciudad natal entre 1916 y 1926. Alentado por su maestro Bernhard Paumgartner se trasladó a Viena, donde su interés derivó hacia la dirección orquestal. Su debut en dicha disciplina, al frente de una orquesta de estudiantes, tuvo lugar en la Academia de Música de la capital austríaca en 1928.

En 1929 realizó su debut oficial dirigiendo "Salomé" en el Festspielhaus de Salzburgo, y entre 1929 y 1934 fue el primer Kapellmeister en la Ópera Estatal de Ulm, Alemania, en la que adquirió la experiencia y la técnica indispensables para abordar destinos y metas más altos. En 1933 hizo su debut en el Festival de Salzburgo con la "Walpurgisnacht Scene", en una producción de "Fausto" de Max Reinhardt. Al año siguiente, y nuevamente en Salzburgo, dirigió la Orquesta Filarmónica de Viena por primera vez, y entre 1934 y 1941, dirigió óperas y conciertos sinfónicos en el Teatro de Ópera de Aquisgrán.

Durante el nazismo

En la época del III Reich, en un momento en el que las mejores batutas (Erich Kleiber, Bruno Walter, Otto Klemperer) se hallaban en el exilio, Herbert von Karajan se confirmó como la nueva promesa de la escuela directorial germánica. En marzo de 1935, su carrera tuvo un significativo impulso cuando se inscribió como miembro del Partido Nazi; aquel año fue nombrado el director de orquesta alemán más joven, y fue director invitado en Bruselas, Estocolmo, Ámsterdam y otras ciudades europeas. Más aún, en 1937, hizo su debut con la Orquesta Filarmónica de Berlín y la Ópera Estatal de Berlín (a la que dirigió desde 1939, en Plena Segunda Guerra Mundial) con "Fidelio", de Beethoven. Disfrutó de un importante éxito con "Tristan und Isolde", de Wagner, y en 1938 fue bautizado por un crítico berlinés como "Das Wunder Karajan" ("El milagro Karajan"). Al firmar un contrato con Deutsche Gramophon aquel año, von Karajan realizó la primera de sus numerosas grabaciones dirigiendo a la Staatskapelle Berlin en la obertura de "Die Zauberflöte", de Mozart. Sin embargo, Adolf Hitler sólo recibió con desdén al afamado director después de que se equivocase en un momento en "Die Meistersinger von Nüremberg", de Wagner,  en un concierto de gala para los reyes de Yugoslavia en junio de 1939; al dirigir sin la partitura (¿se vislumbraba ya su endiosamiento?), Karajan se perdió y las cantantes se detuvieron. Furioso, Hitler dio orden de que Karajan jamás volviera a dirigir en Bayreuth mientras él viviese. Y así fue. Aquel incidente, paradójicamente, salvó quizás la carrera de Karajan en la postguerra.

Años de la postguerra
En 1946, von Karajan dio un concierto en Viena con la Orquesta Filarmónica de dicha ciudad, pero después se le prohibió ejercer la dirección por las autoridades de ocupación soviéticas, debido a su afiliación al partido nazi. Aquel verano, participó anónimamente en el Festival de Salzburgo.

En 1948 dirigió "Le nozze di Figaro", de Mozart, en el Teatro la Scala de Milán. En Viena no empezó a dirigir hasta 1956, ejerciendo primero de director artístico y más tarde (1957) como director de orquesta y de escena con "La Walkiria", de Wagner, que trasladó al Festival de Salzburgo (1958); su prestigio cada vez mayor (realzado por su excelente "Hansel y Gretel", de Humperdinck, grabado en 1953), le abrió las puertas de dicho festival, donde presentó títulos anuales, aunque sin realizar nunca un ciclo completo. Poco antes (1963) fundó el Festival de Primavera de Salzburgo, gestionado por él mismo, y desde 1964 dominó también el de verano, adquiriendo una gran autoridad con la colaboración de la Orquesta Filarmónica de Berlín. Realizó una serie de grabaciones que le dieron una gran fortuna, así como algunos films operísticos. Su enorme sentido musical se hizo patente en sus grabaciones de los años 1950 y 1960, incluyendo las principales óperas de Mozart y también algunos títulos verdianos, así como celebradas versiones de "Carmen", de Bizet, y una "Lucia di Lamermoor", de Donizetti, con María Callas como protagonista (1954 y 1955). Sin embargo, su progresivo endiosamiento y su ansia de poder provocó, durante la década de 1970 a 1980, conflictos con la Filarmónica de Berlín y también en Salzburgo conflictos que, finalmente, se solventaron de forma razonable. Continuó dirigiendo y grabando hasta su muerte en 1989.

Von Karajan y el disco compacto
Von Karajan jugó un papel importante en el desarrollo del formato original del disco compacto (alrededor de 1980). Apoyó esta nueva tecnología de grabación y apareció en la primera conferencia de prensa que anunció dicho formato. Los primeros prototipos de CD tenían una duración limitada a apenas sesenta minutos, y a menudo se afirma que se amplió su duración hasta los setenta y cuatro a instancias de von Karajan, para que así cupiera en un solo disco la "Sinfonía nº 9" de Beethoven. Fue él quien grabó el primer CD comercializado con la "Sinfonía Alpina", de Richard Strauss.

Vida personal y familiar
En 1940 se casa con Anita Gutermann, de ascendencia judía, situación que le causó más de un problema. Resulta curioso este matrimonio teniendo en cuenta que Karajan pertenecía al partido nazi desde 1933. Se casó tres veces; con su tercera mujer, Eliette Mouret, tuvo dos hijas. Eliette lo acompañó hasta el día de su muerte en Anif, a los 81 años de edad. Veámosle en un fragmento de la "Sinfonía nº9" de Beethoven:

(Fuentes: wikipedia, "Guía universal de la ópera", de Roger Alier y www.youtube.com).

VOCES PARA LA HISTORIA: MIRELLA FRENI

Mirella Freni es talento y elegancia, gran capacidad interpretativa y gusto exquisito al cantar. Es una de mis sopranos favoritas. Ya sólo escuchar su voz, emociona; si, además, ves cómo interpreta... En fin, hay que verla y escucharla.

Mirella Freni. Fuente: flickr.com.

Mirella Freni nació en Módena, el 27 de febrero de 1935, en el seno de una familia de clase media. Como curiosidad, cabe mencionar que su madre y la de Lucciano Pavarotti trabajaron juntas en la cigarrera de Módena. Aunque ya de niña demostraba talento para la música (a los diez años participó en un concurso de radio con el aria "Un bel di vedremo", de "Madama Butterfly", de Puccini), el tenor Beniamino Gigli le advirtió que corría el riesgo de arruinar su voz si no dejaba el canto hasta que fuera un poco mayor. Así lo hizo y no volvió al canto hasta los 17 años.

Debutó en Módena, en 1955, a los 19 años, cantando el personaje de Micaela, de "Carmen", de Bizet. A pesar de que recibió varias ofertas, decidió dejar su carrera para casarse y tener un hijo con su profesor de canto, Leone Magiera. En 1958 reinició su carrera, ganando un concurso de canto con el personaje de "Mimì", de "La bohème", de Puccini, en el Teatro Regio de Turín. Más tarde, cantó en la Ópera de Netherlands en la temporada 1959-1960. Fue reconocida internacionalmente cuando cantó el papel de Adina en una producción de Franco Zefirelli de "L'elisir d'amore" de Donizetti, en el Festival de Glyndbourne. En la temporada 1960-1962 cantó en ese mismo festival los personajes cómicos de Susanna ("Le nozze di Figaro", de Mozart) y Zerlina ("Don Giovanni", de Mozart). Debutó en el Royal Opera House como Nannetta ("Falstaff", de Verdi) en 1961, en La Scala en 1963 (bajo la dirección de Herbert von Karajan y Zefirelli), y en el Metropolitan Opera House como Mimì en 1965. Se convirtió en una de las cantantes favoritas de Karajan, con quién grabó y actuó en varias ocasiones.

Su repertorio se amplió con Liù ("Turandot", de Puccini), Marguerite ("Faust", de Gounod) y Julieta ("Romeo y Julieta" de Gounod). Entre los años 1970 y 1980 cantó roles más "pesados" de Verdi, como Elisabetta ("Don Carlo"), Desdémona ("Otello"), Amelia ("Simon Boccanegra"), Elvira ("Ernani"), Leonora ("La forza del destino") e incluso Aída ("Aída"). También cantó roles de Puccini como Manon ("Manon Lescaut"), Tosca ("Tosca"), Madama Butterfly ("Madama Butterfly") y los tres personajes de "Il trittico". En los años noventa incluyó también en su repertorio personajes del verismo italiano, como Adriana ("Adriana Lecouvreur", de Francesco Cilea), Fedora ("Fedora", de Umberto Giordano), e incluso papeles de la ópera rusa, como Tatiana ("Eugenio Onegin" de Tchaikovsky), Lisa ("La dama de picas", de Tchaikovsky) y Juana ("La doncella de Orleáns", de Tchaikovsky). Veámosla en "Manon Lescaut", de Puccini, en una grabación de 1990 en el Liceo de Barcelona: 

En 1981 se casó con Nicolai Ghiaurov, y juntos fundaron el Centro Universale del Bel Canto en Vignola. Iniciaron clases maestras en ese centro en 2002. Luego de la muerte de Ghiaurov en 2004, Freni continuó su trabajo y sus clases no sólo en el centro sino alrededor del mundo. En 1990 publicó sus memorias: "Mio Caro Teatro". Ese mismo año recibió la orden "Cavaliere della Gran Croce della Reppublica Italiana" y en 1993, la condecoración de honor de la Legión de Honor francesa. La Universidad de Pisa la premió con un grado honorario en 2002.

En 2007 recibió en Oviedo el Premio Lírico Teatro Campoamor a toda una carrera dedicada al canto.

Escuchémosla en "L'amico Fritz", de Mascagni: "Son piochi fiori".

(Fuentes: wikipedia, http://www.youtube.com/ y http://www.epdlp.com/).

ANECDOTARIO OPERÍSTICO (V)

Veamos una nueva entrega de las aventuras y desventuras que nacen, crecen y/o se desarrollan en torno al mundo de la ópera.

Opera House Belgium. Fuente: flickr.com.

Sobre Mascagni

Debajo de la casa de Mascagni se instaló un músico que hacía funcionar su organillo con el intermezzo de "Cavalleria rusticana"; pero lo hacía a gran velocidad. Harto, Mascagni bajó y, tras contarle quién era, cogió la manecilla del aparato y la movió indicándole la velocidad a la que debía tocarse. Al día siguiente, el músico había colocado un cartel: "Discípulo del gran Mascagni" (fuente: www.foroclasico.com).

El gran Lucciano

Hasta el año 1997, muy pocos sabían que Lucciano Pavarotti ¡no sabía música!. Así, como suena. Era incapaz de leer una partitura. "Ya soy demasiado viejo para aprender...", dijo en una entrevista. Por lo visto, tenía un sistema de símbolos y líneas de colores ascendentes y descendentes que le marcaban la evolución de la melodía y que le servían como recordatorio a la hora de interpretar (fuente: heartbeatsandlovenotes.blogspot.com). Escuchémosle en "La bohème": "Che gelida manina"; fuente: www.epdlp.com.

Otra anécdota sobre Rossini

Volvemos a una fuente abundante de anécdotas: Gioachinno Rossini. Parece ser que a Rossini le gustaba más cocinar y comer que componer música. Ensayaba constantemente nuevos platos y recetas, en ocasiones muy extravagantes (otras no, como los ya citados canelones Rossini, que están bien ricos). En 1816, el empresario Barbaja le contrató para que, por 15.000 francos anuales, le entregara dos óperas al año. La primera que propuso Rossini fue Otello. El músico estuvo viviendo seis meses en casa del empresario sin escribir una sola nota; barbaja, harto de la situación, ordenó a sus criados que encerraran al Cisne de Pésaro con un solo plato de macarrones hervidos y una jarra de agua. Al día siguiente, Rossini entregó la Obertura, y en una semana había acabado la ópera. Como Barbaja no sabía música, Rossini había adaptado la Obertura, única pieza musical que había compuesto, a todos los diálogos de la ópera. Pudo así recuperar su libertad (fuente: www.adoc.es).

Un estreno heroico

Ya hemos hablado de Nabbuco y de lo que pasó a significar, para el pueblo italiano, el "Va pensiero". Pues bien, veamos otra anécdota que entra dentro de esa misma línea, de nuevo con una ópera de Verdi. Durante 1848, los patriotas italianos se alzaron contra los austríacos; el Papa Pío IX, ante la posibilidad de que el movimiento independentista pudiera llegar a Roma, abandonó momentáneamente la ciudad eterna. En esta situación, Giuseppe Verdi estrenó su ópera "La battaglia di Legnano", obra que exaltaba los sentimientos patrióticos italianos. En un momento de la obra, el protagonista, que está encerrado en la torre de un castillo, cuando oye las trompetas que llaman a la lucha contra Barbarroja, salta al foso para unirse a los combatientes. Entre el público había un soldado que, sin pensárselo dos veces, lanzó al escenario su morral, su abrigo, sus charreteras, e intentó saltar al escenario y así unirse al héroe; pero saltó con tan mala fortuna que cayó en el foso, pero en el de los músicos. Quedó así frustrado su intento de unirse a un héroe de pega (fuente: www.adoc.es). Escuchemos, de "La battaglia di Legnano" la: "Obertura"; fuente: www.liberliber.it.

LOS TEATROS: LA FENICE DE VENECIA

En 1774, el Teatro San Benedetto, el teatro de ópera más importante de Venecia (con más de cuarenta años de historia) fue destruido por un incendio. Poco después de su reconstrucción, surgió una disputa legal entre la compañía que lo administraba y los propietarios, la familia Veiner. Ganó la familia, por lo que la compañía decidió construir por su cuenta un nuevo teatro en el Campo San Fantin.

Las obras se iniciaron en junio de 1790, y terminaron en mayo de 1792. El nuevo teatro fue nombrado "La Fenice" para honrar el resurgimiento de la compañía, primero de sus cenizas y luego de su mudanza. La Fenice se inauguró el 16 de mayo de 1792 con la ópera "I giuochi d'Agrigento", de Giovanni Paisiello.

Ha sido un local célebre por la cantidad de óperas importantes que se han estrenado en él, como "Tancredi" (1913), "Sigismondo" (1914) y "Semiramide" (1823) de Rossini, "I Capuleti ed i Montecchi" (1830) y "Beatrice di Tenda" (1833) de Bellini, y otras. Escuchemos la Obertura de: "Semiramide".

En diciembre de 1836, el fuego atacó nuevamente al teatro, que tuvo que ser reconstruido rápidamente, reabriendo sus puertas el 26 de diciembre de 1837. En el nuevo teatro se estrenaron varias óperas de Verdi, como "Ernani" (1844), "Rigoletto" (1851), "La traviata" (1853) y "Simon Boccanegra" (1856)

En 1884 se inició la colaboración de Verdi con este teatro, con una producción de "Ernani" durante la temporada de carnaval. Luego se sucedieron los estrenos de "Aída", "Rigoletto", "La traviata" y "Simon Boccanegra".

Durante la Primera Guerra Mundial, La Fenice fue cerrada y cuando reinició sus actividades lo hizo con muchas producciones y atrayendo a grandes cantantes y directores del mundo. En 1930 la Bienal de Venecia iniciaba el Primer Festival Internacional de Música Contemporánea, en el que se presentaron compositores de la talla de Igor Stravinsky y Benjamin Britten. En ediciones posteriores de este festival se han presentado también Luciano Berio, Luigi Nono y Sylvano Bussotti.

En 1938 pasó a ser un "Ente autónomo", con temporadas anuales de otoño, invierno y primavera y otras representaciones ocasionales. Se han estrenado en él óperas de autores contemporáneos, como Stravinsky ("The Rake's Progress", 1951), Britten ("The Turn of the Screw", 1954) y también otras de Nono, Malipiero, Dallapiccola, Nino Rota y otros compositores italianos.

El 29 de enero de 1996 otro incendio destruyó completamente el teatro; se descubrió que fue provocado y un juzgado de Venecia encontró culpables a dos electricistas que tenían problemas contractuales con la compañía. Se celebró un hermanamiento entre La Fenice y el Gran Teatro del Liceo de Barcelona, incendiado dos años antes. En Venecia, graves problemas políticos retrasaron varios años la reapertura de La Fenice, que no tuvo lugar hasta 2004, con un concierto en el que se interpretaron obras de Beethoven, Wagner y Stravinsky. La reconstrucción estuvo a cargo del arquitecto Aldo Rossi quien respetó el estilo original del siglo XIX. El teatro dispone de unas 1.500 localidades con 96 palcos distribuidos en cuatro pisos.

(Fuentes: "Dicccionario de la ópera", de Roger Alier, wikipedia, http://www.epdlp.com/ y flickr.com).

ANECDOTARIO OPERÍSTICO (IV)

Historias e historietas, venturas y desventuras en torno al mundo de la ópera las hay de todo tipo. La mayoría de las que hemos visto hasta ahora son cómicas pero también las hay, por supuesto, curiosas, sorprendentes, tristes e incluso dramáticas y hasta "macabras". Veamos, en esta cuarta entrega, unas cuantas más.


Pianista.
Fuente: paulhelm.com.

María Gay, una contralto de armas tomar

Sucedió que el empresario Mestres Calvet contrató a la célebre contralto María Gay (que se llamaba en realidad María Pichot, 1879-1943). Esta cantante había empezado a adquirir renombre en Barcelona como "musa" de los modernistas, dando recitales hasta que en 1903 obtuvo un grandioso éxito en Bruselas como Carmen, en la ópera de Bizet; desde entonces, su carrera operística fue muy brillante. Su apellido procedía de su primera marido, Joan Gay (1867-1926), pero lo conservó al separarse de él. Contrajo segundas nupcias con el tenor italiano Giovanni Zenatello y, cuando fue contratada para cantar "Carmen" en el Liceo, logró que también fuese admitido su marido para interpretar el papel de don José. La pareja se presentó en el año 1919; ella fue aclamada como Carmen, pero su marido fue silbado. Según explica el empresario en sus memorias, el día de la segunda función la contralto se presentó en el teatro armada con una enorme oreja de buey que pretendía lanzar contra el público si volvían a silbar a su esposo. Hizo falta todo el poder de persuasión del empresario para quel a Gay depusiera su actitud combativa. Por otra parte, ese día Zenatello fue aplaudido y no hubo motivos para sucesivas trifulcas.

El Teatro Real y el corazón del tenor Anselmi

Esta anécdota hay que entenderla como propia de una época en que las nociones anatómicas y las consideraciones higiénicas carecían de la improtancia que hoy tienen. Y si a eso le añadimos que las ideas románticas se encargaban de cu con un velo de simbolismo y misterio lo que hoy nos aparece como crudo e inadecuado, podemos entender aún mejor el suceso.

El tenor Giuseppe Anselmi, en otros tiempos rival de Gayarre, fue muy festejado en el Teatro Real de Madrid. Su popularidad era tran grande que el empresario de ese momento, Luis París, le pidió al tenor un legado para el Museo y Archel Teatro. Anselmi contestó el 12 de junio de 1925 legando al Teatro Real, que en esos días estaba a punto de cerrar sus puestas por amenazar ruina, ¡nada menos que su propio corazón!. Murió pocos años después, prematuramente, y en el verano de 1929 llegó a Madrid, con el tenor José Riera, una urna con la víscera y la documentación que acreditaba su autenticidad. Con la debida solemnidad fue ingresado el corazón del tenor en el Museo del Teatro Real.

Estalló la guerra civil española (1936-1939) y el Real sirvió ocasionalmente de alojamiento para tropas. El corazón de Anselimi se perdió en medio de la confusión provocada por el estadllido de un improvisado polvorín. Al finalizar la guerra, Don Fernando José de Larra armado de un simple farol, empezó a rebuscar entre los escombros hasta que halló la urna, dentro de la cual, en un frasco con alcohol, se hallaba... el corazón de Anselmi, que fue reintegrado al Museo del Teatro Real, instalado provisionalmente en otro lugar.

El bajo ruso y el torero

Montserrat Moner, esposa de Joan Alavedra, el poeta que puso el texto a "El Pessebre" (1943-1960) de Pau Casals, relató un día la anécdota ocurrida con motivo de la estancia del famoso bajo ruso Fiodor Chaliapin en Barcelona para cantar en el Liceo. Durante su estancia, el "conseller" de Cultura de la Generalitat de Cataluña, Ventura Gassol, estaba un día con él tomando un aperitivo en la Plaza de Cataluña cuando acertó a pasar un conocido torero andaluz. Ventura Gassol lo llamó y le presentó a Chaliapin mencionando sus éxitos como bajo en el Liceo; después de un ratito de cortesía, el torero se despidió diciéndole al bajo: "Bueno, hombre ¡y que llegue usted a tenor!". Escuchemos a Chaliapin en: "Boris Godunov", de Mussorgsky.

(Fuentes: "Historias de la Historia de la Ópera", de Roger Alier, y www.epdlp.com).

¿POR QUÉ ME DESPIERTAS, OH VIENTO DE LA PRIMAVERA? (ACERCA DE LA MELODÍA DE LA SEMANA: DEL 13 AL 19 DE JUNIO DE 2011)

En el primer artículo de este blog hablaba de cómo a través de Alfredo Kraus y su maravillosa interpretación de "Werther", de Massenet, descubrí la ópera; ahora me falta contar cuál es la historia de "Werther".

Jozef Sterkens como "Werther", 1930.
Fuente: flickr.com.

"Werther" es una ópera en cuatro actos con música de Jules Massenet y libreto de Edouard Blau, Paul Milliet y Georges Hartmann, basado en la novela "Los sufrimientos del joven Werther", de Goethe. Como comparación a las dificultades vocales que presenta el "Tristán e Isolda" de Wagner, se dice de Werther que es el "Tristán francés".

Se puede hablar de diversos estrenos de esta ópera:

• La versión alemana fue estrenada en la Ópera de Viena el 16 de febrero de 1892.
• La versión francesa lo fue en la Ópera-Comique de París, el 16 de enero de 1893.
• En España se estrenó el 29 de abril de 1899, en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona.
• En 1902, Massenet compuso una versión especialmente adaptada para el célebre barítono Mattia Battistini.

Personajes

• Werther, joven poeta enamorado de Charlotte (tenor lírico).
• Charlotte, la hija mayor de Le Bailli (mezzosoprano).
• Albert, marido de Charlotte (barítono).
• Sophie, segunda hija de Le Bailli (soprano).
• Le Bailli, alguacil, viudo, padre de Charlotte, Sophie y de otros seis hijos (bajo).
• Schmidt, amigo de Le Bailli (bajo).
• Johann, amigo de Le Bailli (barítono).
• Coro infantil y dos personajes episódicos.

La acción transcurre en la ciudad de Wetzlar (Alemania) y sus alrededores.

Acto I

Le Bailli, burgomaestre de la ciudad, trata de que sus hijos pequeños aprendan un villancico; intenta hacerles ensayar, pero los chicos no le hacen mucho caso. Sólo cuando les advierte que su hermana Charlotte podría estar escuchándoles, logra Le Bailli que los niños se tomen en serio el ensayo del villancico. Llegan Johann y Schmidt, dos amigos de Le Bailli, que le proponen que vaya con ellos a la taberna del pueblo. Aparece también Sophie, segunda hija de Le Bailli; les cuenta que Charlotte está arreglándose para el baile que está a punto de celebrarse.

Al poco, llega el joven poeta Werther, de visita en casa del burgomaestre ("Alors, c'est bien ici..."; canta: Ferruccio Tagliavini). Discretamente apartado, observa cómo Charlotte se desvive por sus hermanos pequeños, como una madre; es lo que ha sido para ellos desde que la suya de verdad murió. Werther se siente atraído por la gracia y la dulzura de Charlotte; también ella se siente atraída por la romántica figura del joven poeta.

Charlotte le dice a Werther que prometió a su madre moribunda que se casaría con Albert, un joven de la ciudad que, en el momento en que empieza la ópera, se encuentra realizando un largo viaje; Werther, se sumerge en la desesperación.

Acto II

Es domingo y estamos en la plaza de la iglesia. La gente se distrae al aire libre. Llegan Charlotte y Albert, cogidos del brazo; hace tres meses que se han casado. Para Werther, que los observa, cada una de las palabras que se dicen el uno al otro es una puñalada ("Un autre est son époux"; canta: Ferruccio Tagliavini). Werther se queda solo y llega Sophie que, al verle tan abatido, trata (en vano) de animarle.

Cuando Charlotte y Werther logran intercambiar unas palabras a solas, ambos sienten una profunda conmoción interior. La joven le pide que salga de la ciudad; sin embargo, se arrepiente en seguida, y le dice que puede volver en Navidad.

Acto III

La acción se traslada a la casa de Charlotte y Albert. Charlotte está sola, sumergida en profundas cavilaciones ("Werther, Werther, qui m'aurait dit"; canta: Pia Tassinari); lee las cartas que le ha ido escribiendo Werther durante su ausencia ("Ces lettres! Ces lettres!"; canta: Pia Tassinari). Llega Sophie de visita y Charlotte, que ya no puede dominarse, manifiesta su dolor por el poeta ("Va! Laisse-les... Les larmes qu'on ne pleure pas"; cantan: Pia Tassinari y Vittoria Neviano).

Sophie se va y Charlotte, de nuevo sola, rompe a llorar. Entonces aparece Werther, pálido y conmovido. Ambos recuerdan los momentos que vivieron juntos en el pasado, el sonido de la espineta, los versos de Ossian, su poeta romántico preferido; y es en este momento cuando Werther, canta, recitando unos versos de Ossian, un aria que para mí es la más maravillosa de la historia de la ópera (y es la que he elegido como melodía de esta semana): "Toute mon âme est là!... Pourquoi me réveiller...?"; canta: Ferrucio Tagliavini:

"¿Por qué me despiertas,
oh, viento de la primavera?
Sobre mi frente siento
tus caricias
y sin embargo
¡muy pronto llegará el tiempo
de las tormentas y de las tristezas!...

¿Por qué me despiertas,
oh, aliento de la primavera?.

Mañana desde el valle
llegará el viajero
y recordará mis glorias pasadas.
Y sus ojos buscarán en vano
mi esplendor:
¡no encontrarán sino luto y miseria!.
¿Por qué me despiertas,
oh, viento de la primavera?".

Ya sólo al escribir estos versos se me pone la carne de gallina...

Charlotte se esfuerza por contenerse; Werther trata de abrazarla, pero ella huye y se encierra en su habitación. En vano Werther la llama. Se va: sabe que sólo le queda un camino. En ese momento Albert regresa a casa; ve salir al poeta y se encuenta a su mujer sumida en una gran desesperación. Antes de que pueda preguntar nada, le entregan un mensaje de Werther, en el que éste le dice que va a emprender un largo viaje y le pide prestada su pistola. Albert le entrega la pistola al mensajero. Charlotte y él no cruzan una sola palabra, pero ella ya ha comprendido cuál es el viaje que va a emprender Werther... Cuando ya no puede contenerse más, sale precipitadamente de la casa... Ojalá no sea tarde...

Acto IV
Un largo interludio orquestal ("Symphonie") describe el silencio de la Nochebuena y la inquietud que palpita en el corazón de Charlotte, que corre a casa de Werther; por desgracia, le encuentra agonizando, con una bala en el corazón. En ese momento, el amor contenido rompe todas las barreras: Charlotte se arroja sobre el cuerpo que ya se va enfriando, en inútil lucha contra la muerte. En el rostro del poeta aparece una tenue sonrisa de felicidad. Werther muere mientras, a lo lejos, se oyen los villancicos de Navidad que cantan los niños.

Enlace al libreto: "Werther".
(Fuentes: wikipedia, www.hagaselamusica.com, foro.univision.com, www.liberliber.it y www.kareol.es).

VOCES PARA LA HISTORIA: PLÁCIDO DOMINGO

Hablemos hoy de otra gran y versátil figura de la lírica española, de extensísima y enormemente fructífera carrera: Plácido Domingo.

Datos biográficos y carrera artística

José Plácido Domingo Embil nació en Madrid (concretamente en la calle de Ibiza), el 21 de enero de 1941; es hijo de los cantantes de zarzuela Plácido Domingo y Pepita Embil.Por cantar la canción "Granada" de Agustín Lara desde muy pequeño, es conocido en su familia como "El Granado". En 1949 su familia se trasladó a la Ciudad de México para trabajar en teatro musical y pronto destacó en las lecciones de piano, para luego estudiar en la Escuela Nacional de Artes y en el Conservatorio Nacional de Música de la capital mexicana, donde estudió piano y dirección de orquesta. Allí conoció, en 1957, a la pianista Ana María Guerra Cué, con la que se casó y tuvo a su primogénito, José Plácido Domingo Guerra, nacido el 16 de junio de 1958. El matrimonio no duró. En 1962 se casó con la soprano veracruzana Marta Ornelas, a quien conoció estando en el conservatorio.

Comenzó su carrera de cantante como barítono; debutó en escena el 12 de mayo de 1959 en el teatro Degollado de Guadalajara, México, como Pascual en "Marina", de Arrieta. A continuación interpretó el papel de Borsa en "Rigoletto", de Verdi, el de Padre Confesor en "Diálogos de Carmelitas", de Francisc Poulenc y otros. Más tarde debutó como tenor interpretando a Alfredo en "La traviata", en el teatro María Teresa Montoya de la ciudad de Monterrey. Posteriormente, siguió interpretando zarzuela con sus padres.


En 1962 se unió a la Ópera de Tel Aviv, Ópera Nacional de Israel, en la cual nació su fama. Pasó allí dos años y medio y cantó 280 representaciones. Tras dejar Israel, la esposa de Plácido Domingo abandonó su carrera como cantante para dedicarse al cuidado de sus hijos: Plácido Jr., nacido en 1965 y Álvaro, nacido en 1968. Posteriormente, se ha dedicado a la dirección de escena.

En 1966, Plácido Domingo cantó el papel titular en el estreno estadounidense de "Don Rodrigo", de Alberto Ginastera, en la New York City Opera, con gran éxito. Se dio a conocer internacionalmente con su debut en Hamburgo en 1967 como Mario Cavaradossi en "Tosca", de Puccini. Actuó por primera vez en el Metropolitan Opera House de Nueva York el 28 de septiembre de 1968 en "Adriana Lecouvreur", de Francisco Cilea, cantando con Renata Tebaldi; desde entonces, ha abierto la temporada de este teatro en veintiuna ocasiones, superando el récord anterior, que estaba en poder de Enrico Caruso, con cuatro. Escuchémosle en su primer recital, en 1968, cantando "La dolcissima effigie", de "Adriana Lecouvreur", de Cilea:

Durante los años sesenta realizó numerosos debuts en los Estados Unidos, sobre todo en Nueva York y San Francisco, aunque tampoco dejó de hacer giras en ciudades de Europa. Debutó en la Ópera Estatal de Viena en 1967 y en la Ópera Lírica de Chicago en 1968. En 1969 actuó en el Teatro La Scala, en el Teatro Municipal de Santiago y en la Ópera de San Francisco, en 1971 en el Convent Garden y en 1972 en el Teatro Colón de Buenos Aires. Ha cantado en prácticamente todos los teatros de ópera importantes del mundo, y en los principales festivales. Ha trabajado, entre otros directores de orquesta, con Herbert von Karajan, Zubin Metha, James Levine y Carlos Kleiber.

Quizá sea el más versátil de todos los tenores vivos. Su repertorio es muy variado y comprende varios idiomas: ha cantado en italiano, francés, alemán, español, inglés y ruso; Y ha interpretado obras desde Haëndel y Mozart hasta Alberto Ginastera, Gustav Mahler y Tan Dun. Incluso grabó el Tema Oficial de la Copa FIFA de fútbol para la Copa del Mundo España 1982. Veámosle en una versión filmada de "La traviata", de Verdi, junto a Teresa Stratas; el film, de Franco Zefirelli, es de 1982:

En escena, ha representado más de noventa papeles diferentes y, si se incluyen las grabaciones, sobrepasa los ciento veinte. Su principal repertorio, no obstante, es italiano, francés y alemán. En italiano ha interpretado, de Verdi: "Il trovatore" ("Di quella pira"), "Don Carlo" y "Otello", de Puccini: "Tosca" y "Turandot"; en francés ha interpretado: "Faust", de Gounod, "Werther", de Massenet, "Carmen", de Bizet ("La fleur que tu m'avais jetée"), "Samson et Dalila", de Saint Saëns y "Les contes d'Hoffmann", de Offenbach. Ha representado con éxito papeles wagnerianos, en particular "Lohengrin", "Parsifal" (destacadísima representación la de 1991) y "Die Walküre", tanto en el Festival de Bayreuth como en otros teatros de ópera. En el siguiente vídeo canta "E lucevan le stelle", de "Tosca", de Puccini, en la versión filmada de esta ópera que dirigió, en 1992, Franco Zefirelli:

Sigue añadiendo óperas a su repertorio, como la reciente obra de Franco Alfano "Cyrano de Bergerac", en el Metropolitan Opera House de Nueva York y en la Royal Opera House de Londres; también, la ópera "El primer emperador de China (Quin Shihuang)", de Tan Dun (2006), con puesta en escena del director de cine chino Zhang Yimou.

La ópera barroca también forma parte de su repertorio; debutó en este género en 2008 interpretando el papel de Bajazet en la obra "Tamerlano", de Georg Friedrich Haëndel, en el Teatro Real de Madrid. En ese mismo año participó en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Pekín.

Después de siete años de ausencia en la ciudad de México, ofreció el 19 de diciembre de 2009 un concierto al aire libre al pie del "Monumento a la Independencia" de dicha ciudad, en el que se hizo acompañar por primera vez por su hijo Plácido Jr. y las intérpretes mexicanas Eugenia Garza, María Alejandres y Olivia Gorra, cantando arias de ópera, zarzuela, poemas, música ranchera y tradicionales canciones navideñas.

Otros logros
En los primeros años del siglo XXI ha intensificado su labor, además de como artista, como director de orquesta, tanto de óperas como de orquestas sinfónicas. Dirigió por primera vez el 7 de octubre de 1973, con "La traviata", de Verdi, en la New York City Opera. Obtuvo un gran éxito con "Carmen", de Bizet, para la Exposición Universal de Sevilla en 1992. Dirigió la Orquesta Sinfónica de Montreal el 8 de noviembre de 2005.

Desde 1996 es director artístico de la Ópera Nacional de Washington, radicada en el Kennedy Center, dentro de la capital estadounidense. En 1998 fue nombrado director artístico de la Ópera de Los Ángeles, de la que se convirtió en director general en 2003.

Entre sus récords está el haber recibido una hora de aplausos en la Ópera de Viena después de cantar "La bohème", de Puccini, una marca recogida incluso por el Libro Guinness, o haber reunido en un concierto a 400.000 personas en el Central Park neoyorquino, pese a la lluvia.

Con Josep Carreras y Luciano Pavarotti, formó en 1990 la célebre sociedad artística "Los Tres Tenores" en Roma, con motivo del Mundial de fútbol Italia 1990. El evento fue concebido, originariamente, para recaudar dinero con destino a la Fundación Internacional contra la leucemia José Carreras; sin embargo, posteriormente se ha repetido en los tres siguientes mundiales: Los Ángeles (1994), París (1998) y Yokohama (2002). Estas actuaciones de los tres tenores, junto al director de orquesta Zubin Mehta, pretenden acercar la ópera al gran público, lo cual no ha estado exento de controversia.

En 1993 fundó Operalia, concurso para jóvenes cantantes de ópera (del que han salido figuras como José Cura, Inva Mula o Ainhoa Arteta, por ejemplo).

En su repertorio se incluyen, además de óperas, canciones navideñas, canciones infantiles, música mexicana con mariachi y música lationamericana. En 2002 grabó el himno del centenario del Real Madrid CF, canción que interpretó bajo la lluvia en el estadio Santiago Bernabéu. Ha hecho asimismo incursiones en la música pop.

Ha recibido numerosas distinciones, entre las que se encuentra el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, en 1991.

En cuanto a su discografía, es tan extensa y variada como su carrera artística (lógicamente). Personalmente, y aunque hay muchas destacables, me quedaría con una grabación vídeo, de 1982, de "Carmen" de Bizet, junto a Teresa Berganza y Ruggero Raimondi; los tres están impresionantes. Y en audio, aunque del mismo modo hay muchas grabaciones suyas estupendas, escogería un "Otello" de Verdi, con Cheryl Studer, del año 1994.

Labor altruísta

El 19 de septiembre de 1985, en el mayor terremoto registrado hasta entonces en la historia de México, que devastó parte de la capital, sobre todo en la zona del Centro Histórico y algunos barrios o colonias cercanas, fallecieron su tía, su tío, un sobrino y el hijo de éste último, al caerse el bloque de apartamentos "Edificio Nuevo León" en el complejo urbanístico "Tlateloclo". El propio Plácido Domingo intervino en las labores de rescate. A lo largo del año siguiente, dio conciertos benéficos para las víctimas y publicó un álbum de uno de tales eventos.

El 21 de agosto de 2007, en reconocimiento a su labor artística y a su ayuda a las víctimas del terremoto de 1985, el artista fue homenajeado en la capital mexicana con una estatua en su honor, fundida a partir de llaves donadas por la población; la pieza, obra de la escultora Alejandra Zúñiga, mide dos metros, pesa cerca de trescientos kilogramos y forma parte del proyecto "Grandes valores". Como parte de sus actos altruístas, Plácido Domingo ha regalado casas a familias sin recursos en México, sobre todo por los daños del huracán "Paulina" en "Guerrero". A raíz de estos desastres, el tenor donó sus ganancias de todo un año. La constructora diseñó y "bautizó" con el nombre de "Plácido" a un modelo de casa de la que se construyeron miles.

El 18 de diciembre de 2009 fue declarado "Huésped distinguido" de la Ciudad de México por parte del jefe de gobierno capitalino Marcelo Ebrard. El 13 de septiembre de 2010, la LIX legislatura del honorable "Congreso del Estado de Guerrero" le entregó la presea "Sentimientos de la Nación", máxima condecoración que otorga el Congreso del Estado a personalidades distinguidas, dentro del marco del "Primer Congreso de Anáhuac" o "Congreso de Chilpancingo". Plácido Domingo se ha hecho acreedor a esta medalla por su gran laboral altruísta.

El 21 de enero de 2011, día de su 70 cumpleaños, fue homenajeado con una función de gala en el Teatro Real de Madrid, a la que asistieron, entre otras personalidades, la reina Sofía, que acompañó al tenor en el Palco Real.

Para terminar, escuchémosle en "Le villi", de Puccini: "Torna ai felici di".

(Fuentes: wikipedia, http://www.youtube.com/ y flickr.com).

ANECDOTARIO OPERÍSTICO (III)

El anecdotario operístico da para muchos capítulos, quizá tantos como las mil y una historias que le contó Scherezade al Rey Shahriar. Acerquémonos, una vez más, a esos pequeños relatos surgidos en torno al mundo de la ópera.

Escena de Simon Boccanegra.
Fuente: flickr.com.


Solti murió tal vez del disgusto

Eran los primeros días de julio de 1997, dos meses antes de la muerte del ilustre director húngaro. En el Convent Garden se ofrecía la primera representación de la ópera de Verdi "Simon Boccanegra", dentro del ciclo completo de óperas verdianas que el maestro londinense ofrecía con motivo del inminente centenario del compositor italiano.

El teatro estaba espectante; pasaban dos minutos de la hora fijada para el inicio de la representación; el maestro Solti estaba en el podio y ya levantaba la batuta cuando, detrás de él, de entre la primera fila de butacas de la platea, saltó el mecanismo de un reloj digital y se oyó en toda la sala una voz femenina que dijo claramente en castellano sudamericano: "Son las ocho y tres minutos".

El maestro Solti quedó como petrificado durante unos cuantos segundos, bajó la batuta y después de unos instantes la volvió a levantar. Esta vez nada impidió que arrancara la ópera. Solti murió exactamente dos meses después, el 5 de septiembre, pero no falta quien dice que murió del disgusto por tan intempestiva interrupción. Escuchemos a Antonietta Stella en "Simon Boccanegra": "Come in quest'ora bruna".

Elena Sanz, la "favorita del Rey"

Cuando en 1877 debutó en el Teatro Real la contralto valenciana Elena Sanz, lo hizo cantando el papel de la protagonista de "La favorita", de Gaetano Donizetti, ópera que aparecía mucho por el Real porque había servido para la función inaugural de 1850. La Sanz interpretó junto a Gayarre el papel de la favorita del rey, pero lo que pronto se convirtió en la comidilla de la corte es que un par de años más tarde la realidad había superado a la ficción: Alfonso XII se había enamorado de la cantante. Intervino con decisión y firmeza la reina María Cristina, que dio órdenes para que la "favorita del rey" fuese alejada rápidamente de Madrid y fijara su residencia en París. La paz conyugal ante todo, debió pensar la reina, aunque no tardó en tener otros motivos de preocupación, con una monarca tan aventurero como su esposo. Escuchemos a José Carreras en "La favorita", de Donizetti: "Spirto gentil".


Monumento a Donizetti
en Bérgamo.

Pagando a María Callas en efectivo
Rudolf Bing, que fue empresario del Metropolitan de Nueva York de 1951 a 1972, nunca tuvo muy buenas relaciones con María Callas, cuando la diva greco-americana cantó en el teatro. Pero las peores relaciones fueron con el marido, el tremendo señor Meneghini, quien llevaba los asuntos de su esposa. En una ocasión, irritado Bing por la actitud ávida y codiciosa del marido de la diva, hizo que le pagaran la cantidad estipulada por su contrato en efectivo... y en billetes de un dólar. Meneghini tuvo que llevarse de la administración un enorme e incómodo paquete de dinero.

(Fuentes: "Historias de la Historia de la Ópera", de Roger Alier, http://www.epdlp.com/ y http://www.liberliber.it/).

LOS TEATROS: LA SCALA DE MILÁN

La Scala de Milán es uno de los teatros de ópera más famosos del mundo. Su temporada suele iniciarse el 7 de diciembre, día de San Ambrosio, santo patrono de Milán. Todas las funciones deben terminar antes de la medianoche; las óperas más largas deben comenzar más temprano. Figuras tan importantes como Arturo Toscanini, Gianandrea Gavazzeni, Claudio Abbado, Georges Prêtre, Ricardo Muti o Daniel Barenboim han sido directores de este teatro.



La Scala de Milán. Fuente: flickr.com.


Un incendio destruyó el antiguo Teatro Ducale, el 25 de febrero de 1776, después de una gala de carnaval. Los noventa dueños de los palcos del teatro le pidieron al archiduque Fernando de Austria la construcción de un nuevo teatro y otro provisional durante las obras.

El nuevo teatro se construyó en el lugar que ocupaba antes la iglesia Santa María alla Scala, que dio su nombre al teatro. La iglesia fue desconsagrada y demolida, y en dos años Pietro Marliani, Pietro Nosetti y Giuseppe Fe completaron la construcción del nuevo edificio, que fue inaugurado el 3 de agosto de 1778, con el nombre de Nuovo Regio Ducal Teatro alla Scala, con la ópera "L'Europa riconosciuta", de Salieri.

La estructura original fue renovada en 1907, cuando se cambió al diseño actual. En 1943, durante la Segunda Guerra Mundial, los bombardeos dañaron seriamente al teatro, que fue reconstruido y reinaugurado el 11 de mayo de 1946, con un concierto dirigido por Arturo Toscanini.

En La Scala se estrenaron muchas óperas famosas, como "Norma", de Bellini ("Casta diva", canta: María Callas) y varias de Verdi quien, a pesar de que mantuvo una relación muy especial con este teatro, durante muchos años no representó allí ninunga de sus obras, porque decía que la orquesta modificaba su música.

Actualmente el edificio posee un museo al que se accede desde el foyer, con una extraordinaria colección de pinturas, bocetos, estatuas y otros documentos relacionados con la ópera.

El teatro fue cerrado entre enero de 2002 y noviembre de 2004 para su restauración. En esta ocasión, el proyecto fue diseñado por el arquitecto Mario Botta. Durante este período, la compañía se trasladó al Teatro degli Arcimboldi. La filosofía que ha guiado la restauración ha sido devolver a La Scala su esplendor primigenio. Se han eliminado alfombras y pinturas que ocultaban el mármol originario y, cuando ha sido posible, se han recuperado las decoraciones del siglo XVIII de algunos palcos de importancia histórica, como la "barcaccia del virrey", de un maravilloso color azul celeste. Para la reapertura del teatro se escogió la misma ópera con la que se inauguró en 1778: "L'Europa riconosciuta", de Salieri. Veamos el final de esta ópera (fuente: www.youtube.com):

"L'Europa riconosciuta", de Salieri.

Enlace a la página del teatro: http://www.teatroallascala.org/.

(Fuente: wikipedia y http://www.epdlp.com/).