LOS COMPOSITORES: WOLFGANG AMADEUS MOZART

Fragmento del retrato de Mozart
realizado por Barbara Kraft

Nacido en Salzburgo (Austria), el 27 de enero de 1756, Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart (que así fue bautizado) fue el último hijo de Leopold Mozart (1719-1787), violinista, además de compositor y tratadista, así como músico al servicio del príncipe arzobispo de Salzburgo, y de Anna María Pertl (1720-1778), mujer callada, amante de su esposo y buena ama de casa. El matrimonio tuvo un total de siete hijos, de los cuales sólo sobrevivieron dos: Maria Anna (Nannerl) y Wolfgang; ambos demostraron, desde muy temprana edad, poseer excepcionales facultades para la música.

Fue el padre de Wolfgang quien advirtió en seguida las prodigiosas dotes musicales de su hijo, hecho ante el cual decidió abandonar toda pretensión de avance en su propia carrera para dedicar todos sus esfuerzos a la formación de Wolfgang Amadeus. A la edad de seis años, este pequeño genio tocaba con destreza el clavicordio y el violín. Era capaz de leer partituras de un vistazo, tenía una memoria prodigiosa y una asombrosa capacidad de improvisación musical. Resulta asombroso escuchar los primeros trabajos de este entonces pequeño (sólo por edad) gran genio, compuestos cuando tenía entre cuatro y seis años de edad:

Primeras composiciones

En 1762, Leopold comenzó a llevar a su hijo de gira por las cortes europeas, primero a Munich y a Viena; al año siguiente, los Mozart emprendieron un largo viaje que duraría tres años y medio, gracias al cual el pequeño Wolfgang recorrió todo el centro de Europa, París y Londres, así como Italia, país que visitó en tres ocasiones adquiriendo, de este modo, un conocimiento profundo no sólo de la música instrumental, sino también de la ópera italiana de su tiempo.

Dado que es la ópera el objeto primordial de este blog, centraré mi atención en la producción operística de este genio salzburgués. En diciembre de 1770 (poco antes, por tanto, de cumplir los quince años) escribió, por encargo, la ópera "Mitridate, re del Ponto", con la que demostró haber absorbido plenamente todos los conocimientos necesarios, así como poseer el talento suficiente para igualar, e incluso superar, a los compositores italianos del momento. Escuchemos la magnífica obertura de esta primera ópera de Mozart:

Obertura

Todo cuanto hizo después fue ampliar y perfeccionar el lenguaje operístico hasta trascender los esquemas y tradiciones del género italiano, primero con "Idomeneo, re di Creta" (1781):

Obertura

y más tarde con tres óperas bufas de altísimo nivel, compuestas sobre los excelentes libretos de Lorenzo Da Ponte, entonces al servicio de la corte de Viena; así nacieron "Le nozze di Figaro" (1786):

"Voi que sapete..."

"Don Giovanni" (1787):

Obertura

y "Così fan tutte" (1790):

"Un aura amorosa..."

Pero, a la vez, Mozart había puesto en marcha definitivamente la balbuciente ópera alemana, apartándola del mero "Singspiel" o comedia hablada y cantada, y dándole la envergadura adecuada a la parte musical con su "Die Entführung aus dem Serail (El rapto en el serrallo)" (1782):

Obertura

y sobre todo con "Die Zauberflöte (La flauta mágica)" (1791):

Aria de la Reina de la Noche

Ese mismo año había compuesto también "La clemenza di Tito", ópera que se le encargó con motivo de la coronación del nuevo emperador Leopold II. Pese a tratarse de una obra por encargo, Mozart supo insuflarle una música tan suficientemente viva, auténtica e intensa que hoy día es considerada una de sus obras maestras:

Obertura

Mientras Mozart trabajaba en "La flauta mágica", el emisario de un misterioso conde Walsegg le encargó una misa de réquiem; ésta sería su última composición, el "Réquiem en Re menor K.626", inacabado por la muerte del compositor el 5 de diciembre de 1791. Escuchemos este "Réquiem", para cerrar este homenaje al más grande músico de todos los tiempos:

Os remito a otra entrada de este mismo blog en la que hablo también de Mozart: Anecdotario operístico (VIII).


(Fuentes: "Guía universal de la ópera" de Roger Alier, teleformacion.edu.aytolacoruna.es, www.mozart.cat, musicaclasica.com.es, wikipedia, fotopedia y www.youtube.com)

LOS COMPOSITORES: CHARLES GOUNOD

Charles François Gounod nació en París, el 17 de junio de 1818, en el seno de una familia de artistas. Su padre, un destacado pintor que murió joven, había sido profesor en la escuela politécnica y maestro de dibujo de los pajes del rey Luis XVIII. Su madre, excelente músico, al enviudar en 1823 tuvo que subsistir impartiendo clases de piano; con ella aprendió su hijo los rudimentos de la música.

Durante sus años de estudio en la escuela secundaria de Saint Louis, Charles quedó profundamente impresionado por dos obras maestras a cuyas representaciones había tenido ocasión de acudir: "Otello", de Rossini y "Don Giovanni", de Mozart; ambas obras constituyeron las revelaciones de su juventud. Su vocación musical se vería posteriormente reforzada por el encuentro con la música de Beethoven, y muy especialmente con la audición de su novena sinfonía en la Société des Concerts.

Charles Gounod
(fuente: paulhelm.com)

Una vez confirmado en su vocación musical, y tras haber dado sus primeros pasos en la composición como pupilo de Halévy y Lesueur, obtiene en 1828 el gran Premio de Roma con la cantata Fernand, galardón que otorgaba el gobierno francés, y que consistía en una beca escolar para promesas del arte, que tenían así la oportunidad de alojarse como pensionados en la Villa Médicis de la capital italiana. En Roma, a Gounod se le abre un mundo de relaciones artísticas y espirituales sin el cual es imposible entender su producción posterior; uno de los artistas que había sido galardonado también, años atrás, con el citado premio, el célebre pintor Dominique Ingres, le da la bienvenida. Ambos comparten una misma pasión por la música y por el dibujo.

Charles Gounod frecuenta la Capilla Sixtina, donde se sumerge en el arte del gran genio de la Contrarreforma, Giovanni Pierluigi da Palestrina; la polifonía religiosa le transporta a un mundo que siente como el más importante de su vida. Al mismo tiempo, el joven Gounod también se introduce en la esfera musical de compositores como Donizzetti, Bellini o Mercadante, cuyos títulos frecuenta en los teatros romanos. Esta doble raíz, eclesiástica y teatral, habría de marcar la personalidad artística del compositor.

En la Villa Médicis, Gounod conoce a la mezzosoprano francesa de origen español Pauline Viardot García (hermana de la diva María Malibrán y del maestro de canto Manuel García) que le presenta (entre otras) a Fanny Hensel (hermana de Felix Mendelssohn), excelente pianista y compositora, siempre a la sombra de su genial hermano. De su mano, el repertorio alemán se le muestra igual que un nuevo continente.

Parece ser que el joven Gounod era de naturaleza impresionable, y una de las personas que ejerció un mayor ascendiente sobre él durante su estancia en Roma fue el padre Lacordaire, encargado de restaurar la orden de los Dominicos. Bajo su influencia, Gounod llega incluso a considerar hacerse sacerdote; se entrega con intensidad a la música religiosa, se retira al convento de San Benedetto, en Subiaco, para escribir una Misa Solemne, que pondrá de largo en la iglesia de San Luis de los Franceses, el primero de mayo de 1841, con ocasión del aniversario del rey Louis-Philippe. El éxito de esta composición fue tal que le nombraron maestro honorario de coro con carácter vitalicio.

Más tarde, Gounod se traslada a Viena, y prospera en acontencimientos teatrales y sinfónicos. De Viena viaja a Berlín y, en 1843, vuelve a París, donde acepta el cargo de director musical de la "Iglesia de la Misión Extranjera"; intenta dar publicidad entre los parisinos, sin éxito, a la música de Bach y Palestrina. Durante más de cinco años, se retira de la vida social y mundana, concentrándose en el universo del arte religioso.

Ya entrado en la treintena, se da cuenta de que, a mediados del siglo XIX, existe un solo camino para llegar a hacerse un nombre en la música: el del teatro. Vuelve a contactar con Pauline Viardot y ésta le empuja hacia el universo de la ópera. Su primera producción en este género fue Sapho (1851), aunque no obtuvo mucho éxito.

En cuanto a su vida personal, en 1852 se casa con Anna, hija de Joseph Zimmerman, compositor y profesor de piano en el conservatorio de la capital francesa. Gounod es nombrado director de la Banda de Metales de París, y en 1853 asume también la dirección de las clases de canto en las escuelas municipales de la ciudad. Ambas ocupaciones no le impidieron escribir numerosas piezas corales y religiosas.

Tras la muerte de su suegro, se traslada a la propiedad de Saint Cloud, que será su residencia principal durante el resto de sus días. Compone su archiconocido "Ave María", que le reporta un éxito extraordinario. Una crisis nerviosa interrumpe los preparativos de su ópera "Fausto": saturado de encargos, tuvo que ser ingresado en una clínica. Tras el reposo, compone una pieza maravillosa, si bien hoy sistemáticamente desatendida, "Le Medicin malgré lui" (inspirada en la genial comedia del mismo nombre de Molière). "Fausto" está tambíen terminado, y se estrena en el Théâtre Lyrique de París (1859), aunque no acaba de cuajar entre el público, que la considera excesivamente sinfónica. De su obra posterior, sobresale "Mireille" (1863), inspirada en el poema provenzal Mirèio, de Frederic Mistral. Su "Roméo et Juliette" (1867), ópera en cinco actos basada en el drama del mismo nombre de William Shakespeare, es recibida con gran entusiasmo por el público; constituye el mayor éxito de su carrera.

Hogar de Gounod en Gran Bretaña
(fuente: geograph.org.uk)

La guerra franco-prusiana de 1870 desbarató la vida de Gounod, quien se trasladó a Londres, donde fundó un coro y escribió el oratorio Gallia. Sus problemas conyugales, que venían de tiempo atrás, aumentaron allí, a causa de la cantante inglesa Georgina Weldon, con la que mantuvo una relación desasosegante. Cansado y enfermo, abandona finalmente Londres y regresa a París. En poder de la vengativa dama se había quedado la partitura de su ópera "Polyeucte" que, sin embargo, Gounod logró transcribir de memoria, con exactitud prodigiosa. A pesar del fracaso de esta obra, Gounod siempre creyó que si alguna de sus óperas merecía sobrevivirle era "Polyeucte".

Acabó su vida dedicado a la música religiosa y a la literatura musical, consagrándose a la crítica con pasión, lo que le permitió ejercer públicamente como valedor de otros talentos fundamentales de la Francia de su tiempo,j como Camille Saint-Saëns. Tocado por la gracia de la amabilidad, por un talento indescifrable para seducir a quienes lo rodeaban generando corrientes de simpatía que fluían con facilidad, escribió su última melodía, que tituló: "Tout l'Univers obéit à l'Amour".

En 1891, Gounod sufre un infarto cerebral, que lo paraliza parcialmente; logra reponerse, pero en 1893, un nuevo ataque le acarrea una muerte apacible tres días más tarde, el 18 de octubre de 1893, en Saint-Cloud, cuando estaba comenzando la composición de un Réquiem a la memoria de uno de sus nietos. Su entierro adquiere rango de ceremonia nacional, y una multitud asiste al sepelio en la Madelèine donde, atendiendo a su voluntad, se cantó una misa gregoriana.

A título de curiosidad y para finalizar esta entrada, os dejo una melodía que seguro que conocéis (aunque quizás no en el entorno operístico):

Se trata de la "Marcha fúnebre para una marioneta", de Charles Gounod, aunque es más conocida como sintonía de la serie "Alfred Hitchcok presenta" (1955-1964) y también de "La hora de Alfred Hitchcok" (1964-1965).

(Fuentes: disfrutarlaopera.wordpress.com, "Enciclopedia Universal de la Ópera", de Roger Alier, www.liberliber.it, www.epdlp.com y www.youtube.com)

LOS COMPOSITORES: MANUEL DE FALLA (ACERCA DE LA MELODÍA DE LA SEMANA: DEL 20 AL 26 DE JUNIO DE 2011)

Manuel María de los Dolores Falla y Matheu nació el 23 de noviembre de 1876, en el domicilio familiar de la Plaza de Mina número 3, en Cádiz, hijo de José María Falla y Franco y de María Jesús Matheu y Zabala. Sus primeras lecciones de solfeo las recibió de su madre, que era intérprete de piano; después, continuó su formación con Eloísa Galluzo, profesora de piano.

A los quince años, sin embargo, sus intereses eran, principalmente, la literatura y el periodismo. Con un grupo de amigos fundó la revista literaria "El Burlón", y en 1890 participó en una segunda titulada "El Cascabel", que terminó dirigiendo. En 1893, tras asistir a un concierto en Cádiz donde se interpretaron, entre otras, obras de Edward Grieg, sintió que su vocación definitiva era la música.

Falla, "Noches en los jardines de España".
Fuente: flickr.com.

A partir de 1896 comenzó a asistir al Real Conservatorio de Música y Declamación, en Madrid, donde se graduó con honores en 1899. En 1904 compone la ópera "La vida breve", en colaboración Carlos Fernández Shaw; esta obra se hizo acreedora del primer premio de un concurso convocado por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Curiosamente, "La vida breve" se estrenó en francés (sobre una adaptación de Paul Milliet), en el Casino Municipal de Niza, el 1 de abril de 1913.

La acción de "La vida breve" se sitúa en Granada, a principios del siglo XX (ciudad que Falla aún no conocía cuando compuso esta ópera). Los personajes son:

Salud, joven granadina (soprano).

Abuela de Salud (mezzosoprano).

Carmela, prometida de Paco (mezzosoprano).

Tío de Salud (barítono o bajo).

Paco, novio de Salud, comprometido con Carmela (tenor).

Parientes de Carmela y Paco, invitados, comerciantes.

Alhambra. Fuente: flickr.com.

Acto I

En el cuadro primero nos encontramos en el patio de una casa humilde, donde Salud espera a Paco. Se oyen coros lejanos: son los herreros del barrio del Albaicín, que cantan mientras realizan su duro trabajo: "¡Malhaya quien nace yunque, en vez de nacer martillo...!", melodía que resonará como un leitmotiv a lo largo de toda la obra. Aparece Paco, y junto a Salud se unen en un dúo de amor. El tío Salvador sabe que Paco está comprometido con una joven de familia rica. Cuando Paco jura lealtad a Salud, el tío Salvador se lanza furioso sobre él, pero la abuela lo detiene.

  

El cuadro segundo describe con gran belleza una puesta de sol en Granada.

Acto II

Salud se entera de la boda de su amado. Desesperada, corre a casa de la novia, recordando con dolor los falsos juramentos de Paco. El novio desleal la oye. Carmela, mientras tanto, recibe a los invitados. Salud y su tío se sienten extraños entre personas tan elegantes. Para defenderse de las acusaciones de Salud, Paco asegura que no la conoce y afirma que está loca. Salud, pronunciando suavemente su nombre, muere a sus pies: "¡Malhaya quien nace yunque...!".

Aunque ésta es la melodía de la semana: "Danza" de "La vida breve", escuchemos también, asimismo de "La vida breve": "Interludio y danza".

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En los años siguientes, Falla continuó formándose en París, y viajó a Suiza e Italia. En 1915, ya de vuelta en Madrid, estrena la primera versión de "El amor brujo", así como "Noches en los jardines de España". Comienza a trabajar en la pantomina "El corregidor y la molinera", basada en "El sombrero de tres picos", de Pedro Antonio de Alarcón; dicha obra se estrenó en 1919, en el Alhambra Theatre de Londres, con decorados y figurines de Pablo Picasso, con el título también de "El sombrero de tres picos"; ésta es la: "Introducción".

Con motivo de un homenaje que, ese mismo año, le tributó el Centro Artístico de Granada, Falla realizó un viaje a esa ciudad (que, recordemos, aún no conocía), donde acaba fijando su residencia. Durante esta etapa, estuvo muy vinculado con la vida cultural andaluza, y frecuentó la amistad de personajes como Miguel Cerón, Fernando de los Ríos, Manuel Ángeles Ortiz y, sobre todo, Federico García Lorca, cuyo asesinato supuso un terrible golpe para el maestro. Una vez finalizada la Guerra Civil Española, Manuel de Falla se exilia a Argentina, donde fallece el 14 de noviembre de 1946.

(Fuentes: wikipedia, flickr y www.epdlp.com).

LOS COMPOSITORES: GIOACCHINO ROSSINI

Hablar de Rossini es hablar, sobre todo, de alegría contagiosa. Ya mencioné en una entrada anterior que "El barbero de Sevilla" podía considerarse, con todo merecimiento, un antidepresivo musical. Dije también que, con ser una ópera que se apartaba de la "seriedad" que uno puede presuponer a una composición de este tipo, no es la única; de hecho Rossini, conocido sobre todo por sus óperas, lo es especialmente por las bufas (ópera bufa es, recordemos, una ópera de tema cómico) entre las que se encuentran, además de "Il barbiere di Siviglia", otras como "L'italiana in Algeri" o "Il turco in Italia". Pero empecemos por el principio.

Gioacchino Rossini.
Fuente: flickr.com.

Giovacchino Antonio Rossini nació en Pésaro, Italia, el 29 de febrero de 1792. Era hijo de un trompetista de la banda local de Pésaro, Giuseppe Rossini, popularmente conocido como "Vivazza", y de una cantante de ópera sin conocimientos musicales que, por este motivo, había quedado relegada a papeles de "seconda donna". El padre perdió el trabajo por haber abrazado imprudentemente algunos principios de la Revolución Francesa; la familia tuvo que dejar Pésaro y se vieron en la necesidad de sostenerse únicamente con los ingresos de la madre. Los padres de Rossini, que querían para su hijo una formación musical muy superior a la que ellos habían tenido (que había sido escasa), por lo que le pusieron a estudiar en el Instituto Musical de Lugo de Romagna y, más tarde, en el Conservatorio de Bolonia, donde fue alumno del severo Padre Mattei. Como estudiante demostró una gran precodidad, como puede apreciarse en sus "Sonatte a quattro" (1804), en su "Pianto d'Armonia sulla morte d'Orfeo" (1807) y en su primera ópera, "Demetrio e Polibio" (compuesta en 1806, pero estrenada en 1812).

La carrera operística (propiamente dicha) de Rossini, comenzó realmente en 1810, cuando gracias a la familia Mombelli, la misma que le había encargado la primera ópera, encontró la posibilidad de escribir una farsa en un acto -tipo que entonces estaba de plena moda- titulada "La cambiale di matrimonio", que se estrenó en el Teatro San Samuele de Venecia para colmar la laguna dejada por un compositor que no había suministrado la ópera que debía estrenarse en aquella temporada de otoño. "La cambiale di matrimonio" llamó la atención, sobre todo por su complejidad orquestal -teniendo en cuenta el nivel instrumental de las óepras de la época-, y logró un gran éxito, que se repitió con "L'equivoco stravagante" (1811), con "L'inganno felice" (1812) y con "La scala di seta" (1812). Escribió también, sin embargo, óperas serias como "Ciro in Babilonia" (1812), y estrenó, como ya se ha dicho, su "Demetrio e Polibio" (1812). Logró que La Scala de Milán le abriera sus puertas, y para dicho teatro escribió su primera ópera bufa grande (dos extensos actos), titulada "La pietra del paragone" (1812), que fue bien recibida.

Con "L'italiana in Algeri" (1813) ("Obertura"), Rossini se lanzó de lleno a la ópera farsesca, inverosímil y divertida, con un solo hilo conductor en el argumento que, aunque increíble, nos presenta a los personajes actuando con toda seriedad. Tanto esta ópera como "Tancredi", también de 1813 ("Obertura"), tuvieron un éxito inenarrable, lo que consagró a Rossini como el compositor más importante y solicitado de Italia, a la vez que hizo que se le abrieran las puertas de Europa.

Bastaron tres años más para llevarlo a ser el compositor más famoso de su tiempo, el ídolo de los teatros de Europa, la pasión más exacerbada de los imitadores de su estilo, el punto de referencia de la "ópera-comique" francesa. Éste progreso lo logró con otras óperas bufas de excelente factura como "Il turco in Italia" (1814), o aún más con "Il barbiere di Siviglia" (1816) ("Obertura"). Además, el empresario Baraja, de las Óperas de Nápoles, Milán y Viena, le confió el estreno solemne del Teatro San Carlo de Nápoles; con tal motivo, Rossini compuso la ópera "Elisabetta, regina d'Inglaterra" (1815) seguida de "Otello" (1816), óperas que provocaron el delirio entre el público napolitano. Rossini se había convertido en el compositor más famoso del mundo, y tenía sólo veinticuatro años. A partir de ahí su producción circuló por toda Europa, pero continuó teniendo como centro Nápoles; como "prima donna" tenía a Isabella Collbrand, mezzosoprano de origen español, que se convirtió en su amante y, a partir de 1823, en su esposa.

Así se sucedieron éxitos en el campo de la ópera seria, como "Armida" (1817), "Il Mosè" (ópera bíblica estrenada en 1818 y reestrenada con modificaciones), "La donna del lago" (1819), "Maometto II" (1820), "Zelmira" (1822) y "Semiramide" (1823) ("Obertura"). Casi abandonó el género bufo después de su gran creación, "La Cenerentola" (1817) ("Non più mesta"; canta: Cecilia Bartoli), y de la ópera semi-seria "La gazza ladra" (1817) ("Obertura"). Su "Ermione" (1819), quedó olvidada nada más estrenarse. En su producción, era un dogma la ornamentación y el virtuosismo vocal (es decir, el belcantismo).

Rossini estuvo en Viena, París, Londres, ciudad esta última donde reunió una verdadera fortuna amasada a base de apariciones personales, de conciertos privados y de dejarse querer por la alta sociedad inglesa. Al volver a París fue objeto de una tentadora oferta económica, por la que se convertía de hecho, aunque no de nombre, en director de la Ópera de París, con el nombramiento de "inspector de canto" del Reino de Francia (sobre este nombramiento hay una anécdota que contaré en la entrada de mañana), que incluía emolumentos de gran cuantía y el contrato por diez óperas nuevas para ser estrenadas en la Ópera de París.

A pesar de que sólo tenía treinta y tres años, Rossini empezó a resentirse de una perceptible disminución en su capacidad creativa. Para presentar las óperas contratadas en unos plazos más o menos razonables, después de una primera cantata destinada a conmemorar la coronación del rey Carlos X de Francia ("Il viaggio a Reims", 1825), optó por remodelar óperas de la época de Nápoles, como "Le siège de Corinthe" (1826), Moïse et Pharaon" (1827), una versión francesa de "Maometto II" (1828) y la ópera bufa "Le comte Ory" (1828), versión en francés de "Il viaggio a Reims" con algunos añadidos. Finalmente se decidió a realizar una ópera realmente nueva, "Guillaume Tell", cuya inmensa extensión le costó un gran esfuerzo (1829) ("Obertura").

A partir de esta ópera, en Rossini sobrevino un silencio, no sólo debido a una cuestión de capacidad creativa, sino también al rechazo moral que sentía hacia la nueva estética del romanticismo que se avecinaba ya de un modo imparable. La Revolución de 1830 despojó a Rossini de sus cargos oficiales en la administración borbónica y el compositor inició un largo y penoso pleito contra el Estado francés. Por otra parte, su salud empezó a declinar bajo el impulso de una sífilis mal tratada que le dio años de malestar. La crisis de su matrimonio con la Collbrand dio paso a una nueva compañía femenina, Olympe Pélissier, que tuvo que aguardar la muerte de la primera esposa (1845) para legalizar su situación.

Entre los años 1830 a 1840, aparte de algunos períodos de actividad como impulsor de iniciativas musicales (como la del Liceo Musicale di Bologna), la vida de rossini fue un infierno or su mala salud, por los dolorosos e ineficaces tratamientos y por la neurastenia provocada por la propia enfermedad. Olympe Pélissier se lo llevó finalmente a París, donde algunos médicos franceses lograron curarle. Hacia 1855 Rossini había recuperado su habitual porte, su mordacidad y su sentido del humor. Reunía gentes del ambiente musical en su csa de Passy, donde los sábados por la noche daba conciertos a los que se brindaban cuantos artistas había en París, y que sobre todo resultaban importantísimos para los debutantes por el prestigio que conferían. Para tales ocasiones Rossini solía componer pequeñas piezas, sus "pecados de vejez", compuestas muchas veces sobre retazos de antiguos motivos presentes en sus óperas.

Murió en Passy en el otoño de 1868, dejando una estela de grandes creaciones que, en su mayoría, acabaron olvidades bajo el impulso romántico-verista de los últimos años del siglo XIX. Sólo cuando acabó la estética verista y wagneriana que impulsó el modernismo fue posible volver a valorar las creaciones rossinianas gracias a un proceso muy lento de recuperación de las óperas olvidades, que eran casi todas. Hasta los años 60 no fue posible para el espectador medio ver otra cosa que un "barbiere di Siviglia" mutilado por las praxis antibelcantistas, y alguna ocasional fragmentación de "Guillaume Tell".

(Fuentes: "Guía universal de la ópera", de Roger Alier y www.epdlp.com).

LOS COMPOSITORES: GEORGES BIZET

Compositor francés nacido en París, el 25 de octubre de 1838. Aunque fue bautizado como César Alexandre Lépold, desde un primer momento rechazó los nombres con resonancias imperiales que sus padres le habían impuesto y se hizo llamar Georges.

Procedente de una familia de músicos, resultó ser un niño prodigio capaz de ingresar en el Conservatorio de París cuando tenía nueve años, siendo allí discípulo de Zimmermann, Marmontel, Halévy y Goundod. Se distinguió muy pronto: a los diecisiete años escibió una "Sinfonía en Do" que, redescubierta en 1935, se escucha con frecuencia y se ha  coreografiado también como base para importantes compañías de ballet.

En 1857 debutó en el campo de la ópera con su pequeña pieza cómica en un acto "Le Docteur Miracle", con la que ganó el codiciado Premio de Roma. Según las condiciones de la beca que dicho premio le proporcionó, estudió en Roma tres años. Allí acabó de sentirse atraído por el género operístico, en el que debutó con una ópera bufa a la italiana, "Don Procopio".

De nuevo en París, obtuvo el primer éxito en su carrera musical con "Les pêcheurs de perles" (Ópera-Comique, 1863), obra que estaba dentro de la moda del exotismo operístico entonces en voga; traducida al italiano, recorrió toda Europa reiteradamente. Menos éxito tuvo su obra "La jolie fille de Perth" (Théâtre Lyrique, 1867). Varias óperas cómicas le condujeron a "Djamileh" (1871), que es normalmente tenida como la precursora de "Carmen". Sin embargo, no toda su producción se limita a la ópera; creó, por ejemplo, piezas de música teatral del nivel de "L'Arlésienne", para una obra de Alphonse Daudet; esta obra merece que escuchemos, por lo menos, tres de sus fragmentos:

• "Preludio".
• "Farandole".
• "Pastoral".

Compuso además piezas corales y pianísticas (como "Jeux d'enfants"; escuchemos un fragmento: "Le bal".). Se casó con la hija de Jacques Fromenthal Halévy, y terminó la ópera inacabada de éste, "Noé". Siguió en la línea de las óperas exóticas con su "Carmen" (Ópera-Comique, 3 de marzo de 1875), basada en una novela de Prosper Merimée; en ella demostró una capacidad poco común para conectar con él espíritu de la música española. Influenciado por Giuseppe Verdi, compuso el papel de "Carmen" para una mezzo-soprano.

El estreno de "Carmen" fue un fracaso; Bizet llegó a desanimarse, pero recibió alabanzas de compositores tan preclaros como Camille Saint-Saëns, Piotr Illich Tchaikovsky y Claude Debussy, quienes reconocieron sus méritos. Sus opiniones fueron proféticas, pues el tiempo ha hecho de "Carmen" una de las obras más populares del repertorio operístico.

Sin embargo, Bizet no tuvo ocasión de disfrutar del éxito póstumo de "Carmen"; tres meses después de su estreno, mientras se encontraba bajo los efectos de una grave depresión, según algunas opiniones fruto del fracaso de su obra, murió en Bougival a la temprana edad de 36 años, coincidiendo con el sexto aniversario de su matrimonio. La causa oficial del fallecimiento fue "fallo cardíaco debido a reumatismo articular agudo". Fue enterrado en el cementerio de Père Lachaise de París.

Tumba de Georges Bizet.

Aunque esta faceta no sea muy conocida, Bizet fue un extraordinario pianista que mereció los elogios del propio Franz Liszt quien, después de haberle escuchado interpretar una compleja partitura, le dijo que le consideraba como uno de los pianistas más brillantes de Europa.

(Fuentes: wikipedia, "Guía universal de la Ópera", de Roger Alier, "Diccionario de la Ópera", de Roger Alier, paulhelm.com, fotopedia.com y www.epdlp.com).