Bienvenido

Bienvenido, amable navegante, a mi pequeño rincón. Si has llegado hasta aquí es que, como poco, sientes curiosidad por la ópera. Quizá seas un experto. Quizá sólo has echado un somero vistazo a este tema y te preguntas qué es lo que mueve a un aficionado a la ópera. O quizá, ni lo uno ni lo otro... ¿qué más da?.

Ante todo, he de decir que ni soy una erudita en esta materia ni lo pretendo. Este blog quiere servir, simplemente, de lugar donde reflexionar, donde compartir experiencias, opiniones, sentimientos, etc., acerca de un mundo que para mí es muy enriquecedor.

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lunes, 23 de mayo de 2011

ACERCA DE LA MELODÍA DE LA SEMANA (del 23 al 29 de mayo de 2011)

Ésta es la historia de una pasión irremediable, el relato del desventurado amor del caballero Des Grieux y de Manon Lescaut. La narración original se debe al abate Prévost, quien escribió la "Historia del Caballero Des Grieux y de Manon Lescaut" como parte de los siete volúmenes de sus "Memorias y aventuras de un hombre de calidad retirado del mundo", entre 1728 y 1731.

Cuando Puccini comenzó la composición de su "Manon Lescaut", ya existía una "Manon" de Jules Massenet, que se basaba igualmente en la citada novela del abate Prévost. La apuesta era arriesgada, puesto que la "Manon" de Massenet triunfaba en los escenarios europeos desde 1884. Aunque sus amigos le advirtieron desde el primer momento de la dificultad del empeño, Puccini, con gran convicción, decía: "Massenet sentía a Manon como francés que era, con los polvos de tocador y los minuetos; yo la siento como italiano, víctima de una pasión desesperada." A pesar de todo, Puccini obtuvo con ésta su tercera ópera su primer gran éxito, y su "Manon Lescaut" se ha mantenido en el repertorio con mucha más fuerza que la "Manon" de Massenet.

 Portada de "Manon Lescaut". Fuente: flickr.com.

"Manon Lescaut" es una ópera en cuatro actos cuyo libreto fue escrito por varias personas: Ruggero Leoncavallo, Domenico Oliva, Marco Praga, Giuseppe Giacosa, Luigi Illica, el propio Puccini e incluso el editor Giulio Ricordi. Se estrenó en el Teatro Regio de Turín, el 1 de febrero de 1893. En España, se representó por primera vez en el Teatro Real de Madrid el 4 de noviembre de 1893.

Personajes
Manon Lescaut, muchacha ambiciosa y despreocupada (soprano).
Caballero Renato Des Grieux, joven sin recursos, enamorado de Manon (tenor).
Lescaut, hermano de Manon (barítono).
Geronte di Ravoir, recaudador de impuestos galante, pero viejo (bajo).
Edmondo, estudiante, amigo de Des Grieux (tenor).
Un músico, cantante pirncipal de un pequeño madrigal ofrecido por Geronte a Manon (mezzosoprano).
Hostelero (bajo).
Maestro de danza, al servicio de Geronte (tenor).
Farolero (tenor).
Un sargento (bajo).
Capitán de barco (bajo).
Coro.
Varias figurantes, en la serie de prostitutas del Acto III.

Argumento
Acto I. Una plaza en Amiens.
Estamos en la segunda mitad del siglo XVIII. A la entrada de una posada, soldadesca y estudiantes, entre los que se encuentran Edmondo y Renato Des Grieux, pasan la tarde en inocente flirteo con las mujeres. Llega la diligencia y de ella descienden el rico tesorero real Geronte, el sargento Lescaut y su hermana Manon. Los hombres entran en la casa y Manon espera fuera. Des Grieux se enamora a primera vista de la muchacha, que le cuenta que, por mandato de su padre,está destinada a ingresar en un convento. Por otro lado, Lescaut ha entrado en tratos con el rico y viejo recaudador de impuestos Geronte di Ravoir y le ha "vendido" prácticamente a su hermana. Des Grieux, enterado por Edmondo de que Geronte planea llevarse con él a Manon, convence a la muchacha de que huyan los dos juntos a París, en el propio coche de caballos que el recaudador de impuestos tenía preparado. Al conocerse la fuga de Manon y Des Grieux, Lescaut tranquiliza a Geronte: conoce el gusto por el lujo de su hermana y sabe que no durará mucho con Des Grieux, un pobre estudiante que no tiene dinero.

Acto II. Palacio de Geronte. París.
Encontramos a Manon instalada como amante en casa de Geronte. Tiene cuanto quiere pero, en medio de tanto lujo, se aburre y añora al pobre Des Grieux, al que abandonó por la vida lujosa que ahora detesta. Llega Lescaut, que ha logrado hacerse amigo de Des Grieux a la vez que disfruta de la protección de Geronte; le cuenta a Manon que Des Grieux, desolado por su abandono e ignorando dónde se encuentra ella, se ha hecho jugador, con el único objetivo de conseguir la riqueza suficiente para darle la vida de lujo que la muchacha desea. Es entonces cuando Manon canta la que he escogido como melodía de esta semana: "In quelle trine morbide"; canta: María Zamboni.

 "...In quelle
trine morbide...
nell'alcova dorata
v'é un silenzio
gelido, mortal,
v'è un silenzio,
un freddo che m'agghiaccia!
Ed io che m'ero avvezza
a una carezza
voluttuosa,
di labbra ardenti e
d'infuocate braccia...
or ho tutt'altra cosa!
O mia dimora umile,
tu mi ritorni innanzi
gaia, isolata, bianca
come un sogno gentile
di pace e d'amor!..."
"...¡Tras esas mórbidas
cortinas...
de la dorada alcoba
hay un silencio
helado, mortal,
un silencio,
un frío que me hiela!
¡Y yo que me
había acostumbrado
a una caricia voluptuosa
de ardientes labios y
apasionados brazos...
tengo ahora todo lo contrario!
¡Oh, mi humilde morada,
vuelves a aparecérteme
alegre, aislada, blanca
como un sueño gentil
de paz y de amor!..."

Entre tanto, llega Geronte con un grupo de amigos ante los que el anciano alardea del lujo en el que vive, y de detalles como las joyas de la muchacha y sus -relativas- habilidades en el campo de la danza. Luego vuelve a salir con sus amigos, no sin antes recordarle a Manon que en cuanto acabe de arreglarse la esperan para el almuerzo.

Apenas se ha ido Geronte llega Des Grieux. El encuentro es emocionante. Al principio, Des Grieux reprocha a Manon su abandono, trata de resistirse a la pasión que siente (con igual fuerza que antes) por la muchacha pero ella hace uso de sus encantos y, finalmente, ambos se abrazan y se besan apasionadamente. Vuelve Geronte inesperadamente, y les sorprende juntos; reprocha a Manon tal infidelidad después de haber recibido tantas atenciones por su parte. Ella le replica que su apariencia de anciano difícilmente podría inspirar amor, comparada a su joven belleza y a la de Des Grieux. Geronte finge ceder y, con estudiada y aparente amabilidad, se retira. Des Grieux se da cuenta inmediatamente del peligro que ambos corren y quiere huir con Manon, pero ella no quiere renunciar a sus joyas y pretender reunirlas todas antes de huir. Llega Lescaut fuera de sí: un tropel de policías viene a por Manon. En el momento en que Des Grieux y Manon se disponen, por fin, a huir, llegan los agentes y detienen a Manon, que ha sido acusada por Geronte de prostitución. Lescaut impide que Des Grieux se signifique intentando defender a Manon, diciéndole que sólo podrá salvarla más tarde si permanece libre.

Acto III. Una plaza en el puerto de El Havre.
Un poderoso Intermezzo orquestal nos introduce en el núcleo del drama. Estamos frente a la cárcel en la que está presa Manon. Un centinela vigila la zona. Aún es de noche. Lescaut trata de calmar la impaciencia de Des Grieux; le cuenta que está tratando de comprar a algunos guardias para que puedan huir todos. Manon aparece en la ventana y Des Grieux puede tomarle las manos y darle ánimos explicándole el plan de fuga. Pero, de pronto se oye un disparo: el complot ha fracasado. Lescaut llega corriendo, aparta a Des Grieux del edificio y los dos se confunden entre el gentío, que ya se empieza a reunir ante la inminente salida de las mujeres que han sido sentenciadas a deportación (entre las que se encuentra Manon).

El comandante del barco que habrá de llevar a las condenadas a los Estados Unidos, trata de apresurar la llamada a las mujeres. Un sargento va leyendo los nombres de una lista. Los ciudadanos de El Havre ven con encontradas emociones el desfile de las infelices: algunas afectan descaro y otras ocultan el rostro por vergüenza. Cuando Manon es nombrada, esquiva la fila y se reúne con Des Grieux; el sargento trata de devolverla a su lugar, pero Des Grieux, enloquecido, coloca a Manon detrás de sí y, empuñando un arma, trata de impedir que hagan subir a la muchacha al barco. La multitud se pone de su lado y la situación adquiere un cariz peligroso, pero el comandante impone orden. Des Grieux se da cuenta de la inutilidad de su intento y, abandonando el arma, suplica al comandante que, al menos, le deje embarcar con Manon. Conmovido, el comandante acepta que Des Grieux embarque; Des Grieux y Manon se abrazan gozosos.

Acto IV. Un desierto, cerca de Nueva Orleans.
Des Grieux y Manon, mal vestidos, sin recursos, se encuentran perdidos en una llanura desolada y sin agua. Manon no puede más y, extenuada y muerta de sed, cae el asuelo. Des Grieux va en busca de agua; ella, mientras tanto, exhala un lamento por tener que morir sola, perdida y abandonada. Cuando Des Grieux regresa sin haber encontrado agua ella, pronunciando las últimas palabras de amor, muere en sus brazos.

A mí es la ópera de Puccini que más me gusta. De hecho, un fin de año me fui a Barcelona sólo para verla y ¡mereció la pena! María Guleghina era Manon, y estuvo fantástica; la suya no es una voz especialmente potente (no tiene un "chorro" de voz), pero tampoco le hace falta, porque canta y actúa muy bien. En cuanto al tenor, no recuerdo quién era, pero no estuvo especialmente bien aquel día (de lo contrario, creo que recordaría su nombre). Se trataba de un montaje de Liliana Cavani, el mismo que aparece en una grabación de esta ópera de 1998 en La Scala, con José Cura y la mencionada María Guleghina. Respecto a esta grabación, que me encanta y que tengo desde que salió a la venta, sólo haría una observación: sobre todo en el Primer Acto, a José Cura se le nota un montón cuando mira al Director para que éste le de el "pie", y la verdad es que queda "raro" que esté cortejando a la Guleghina mientras mira al señor Muti. A pesar de todo, creo que es una fantástica versión de esta ópera, sin duda muy recomendable.

Enlace al libreto completo: "Manon Lescaut", de Giacomo Puccini.
(Fuentes: "Guía universal de la Ópera", de Roger Alier; "Ópera", de András Batta; wikipedia; http://www.kareol.es/www.epdlp.com y www.liberliber.it).

domingo, 22 de mayo de 2011

VOCES PARA LA HISTORIA: JULIÁN GAYARRE


Estatua de Julián Gayarre en Pamplona.
Fuente: flickr.com.

Sebastián Julián Gayarre Garjón, fue un tenor que nació en el Roncal (Navarra), el 9 de enero de 1894,  en el seno de una familia humilde. Una vez terminados los estudios elementales abandonó la escuela y, con tan sólo trece años, comenzó a ganarse la vida como pastor. Con quince años su padre le envía a Pamplona, para trabajar como dependiente en un pequeño establecimiento. Aquí se produce su primer contacto con la música pues, atrapado por la magia de una banda de música que pasó tocando por delante del establecimiento, dejó abandonado el local para seguirla. Tras este incidente, le despidieron y volvió al Roncal.

A los dieciocho años, volvió a Pamplona para trabajar como herrero. Se cuenta que Gayarre tenía la costumbre de cantar mientras trabajaba, por lo que un compañero le ofreció apuntarse al recién creado Orfeón Pamplonés, que dirigía Joaquín Maya quien, al escucharle cantar, le admitió como primer tenor.

Don Hilarión Eslava le ayudó a entrar en el Conservatorio de Madrid como becario, donde ganó el segundo premio de canto en 1868. Con 25 años y tras ser rechazado por el maestro Gaztambide, regresó a Pamplona; allí consiguió una beca de la Diputación Foral de Navarra que le llevó a estudiar a Milán (Italia), donde alcanzó un éxito clamoroso en apenas tres meses. A partir de ese momento su carrera fue imparable.

Triunfó en Bolonia, Roma, en la Ópera de San Petersburgo (donde cantó por primera vez su ópera predilecta, "La favorita"), Moscú, Viena... Su consagración definitiva llegó el 2 de enero de 1876, en La Scala de Milán con "La favorita", obra que le colocó como primer tenor del mundo. Sus actuaciones en Londres, Buenos Aires, Austria, Alemania, el Teatro Real de Madrid, Sevilla, el Liceo de Barcelona, Nápoles, la Ópera de París, etc. le valieron el sobrenombre de "senza rivali, le Roi du chant".

En diciembre de 1889, en Madrid, accedió a cantar "Los pescadores de perlas", de Bizet, a pesar de encontrarse gravemente enfermo. Salió a escena y, al atacar una nota aguda, se le quebró la voz y sufrió un desvanecimiento. A pesar de que el médico le aconsejó que suspendiese la función, su amor propio hizo que volviera al escenario y consiguió, por fin, terminar la romanza; pero ya estaba mortalmente enfermo y, en la madrugada del 2 de enero de 1890, muere en Madrid, a los 46 años de edad.

Aunque murió soltero, se sabe que Julián Gayarre tuvo una hija con la tiple María Mantilla, que se llamó como su madre y a la que Gayarre no olvidó en su testamento. En el Roncal, su pueblo natal, se encuentra el panteón-museo erigido en su honor, obra de Mariano Benlliure, en el que descansa su cuerpo embalsamado. Antes de su embalsamamiento, los doctores que le trataron durante su enfermedad le extrajeron la laringe (que actualmente se puede ver en el Museo de Navarra). Una casa en el Roncal que Julián regaló a sus padres ha sido convertida en Casa-Museo.

Con mayor o menor acierto (para gustos están los colores) la vida de Gayarre ha sido llevada al cine en tres ocasiones: "El canto del ruiseñor" (1932), "Gayarre" (1959) y "Romanza final" (1986). ¿Existen grabaciones de la voz de Gayarre? Es muy probable que sí, pero hoy en día no se dispone, desgraciadamente, de ellas. A falta de "pan" conformémonos con José Carreras en "La favorita", de Donizetti: "Spirto gentil".

Para una mayor y más exhaustiva información sobre la vida de Gayarre: www.juliangayarre.com.

(Fuentes: wikipedia, www.epdlp.com).

sábado, 21 de mayo de 2011

LOS COMPOSITORES: GIUSEPPE VERDI

Se llamaba Giuseppe Fortunino Francesco Verdi, y nació en La Roncole, cerca de Busseto, el 10 de octubre de 1813. Fue un comerciante de granos de su localidad, Antonio Barezzi, quien, intuyendo las cualidades musicales de Verdi, le sufragó estudios de música y, de paso, fomentó las relaciones amorosas del joven compositor con su hija Margherita (con la que finalmente se casó). En 1832 intenta entrar en el conservatorio de Milán, pero es rechazado por su juventud y porque sus ejercicios "no mostraban especiales aptitudes para la música". Años más tarde, ante la popularidad y éxito de Verdi, este mismo conservatorio (que actualmente se llama "Conservatorio Giuseppe Verdi") quiso renombrarse con el nombre del compositor, a lo que él contestó: "No me quisieron de joven, no sé por qué me quieren de viejo".
  
Conservatorio Giuseppe Verdi, Milán. Fuente: fotopedia.
A pesar de no haber sido admitido en el conservatorio, Verdi había logrado llamar la atención de Bartolomeo Merelli, empresario de La Scala de Milán, quien le encargó sus primeros títulos: "Oberto" (1839), que tuvo éxito, y una ópera bufa "Un giorno di regno" (1840) que fracasó. La coincidencia en el tiempo de este fracaso con la muerte sucesiva de su esposa Margherita y de sus dos hijos, provocaron en Verdi fuertes deseos de abandonar su carrera, pero Merelli le presionó para que estrenara una ópera de tema bíblico para la Cuaresma de 1842: "Nabucco".

Los primeros éxitos de Verdi están estrechamente relacionados con la situación política que se vivía en Italia. En especial "Nabucco", como ya he mencionado, contribuyó a exaltar el carácter nacionalista del pueblo italiano, y el "Va pensiero" (el coro de los esclavos hebreros) es uno de los más conocidos de Italia por esta razón. El éxito del joven compositor en la Italia ocupada por los austríacos motivó que los patriotas usaran su apellido como divisa; así, tras los "Viva Verdi" pintados en las paredes se escondían las siglas de "Vittorio Emanuele Rè d'Italia".

Aunque lento en sus progresos, Verdi era firme en sus decisiones, y cuando adoptó la causa del llamado "Risorgimento" lo hizo escribiendo óperas sobre temas de carácter aparentemente histórico que ocultaban, en el fondo, una invocación a la reunificación italiana (como por ejemplo, "Attila", de 1846). Es admirable la gran calidad que consigue Verdi en la mayoría de sus obras en estos años, pues la perentoriedad de los contratos y los obstáculos impuestos por la censura y por la inestabilidad económica de los empresarios, hicieron que bautizase aquella época como "anni di galera", es decir, "años de presidio".

Los éxitos conseguidos permiten a Verdi apostar por un estilo más personal, y presionar a libretistas y empresarios para que arriesguen y experimenten un poco más. En este sentido, es destacable la forma en que se gestó la ópera "Macbeth", con unos arduos, e incluso despóticos ensayos, para lograr que el texto fuera más hablado que cantado. Los éxitos de Verdi continúan.

"Macbeth"; fuente. www.youtube.com.

Entre 1851 y 1853 compone sus óperas más populares y queridas: "Rigoletto", "Il trovatore" y "La traviata". A este período siguen obras en las que se percibe la madurez del compositor: "Don Carlos", compuesta para la Gran Ópera de París, "Aída", compuesta para la Gran Ópera de El Cairo, "Otello" y "Falstaff". Algunas de estas obras no fueron bien recibidas por el público o los críticos, que las calificaron de demasiado "wagnerianas" (crítica que el autor rechazó siempre).

"Falstaff". Fuente: www.youtube.com.

En sus últimos años, Verdi compuso algunas obras no operísticas. A pesar de no ser particularmente religioso, compuso obras litúrgicas, como la "Misa de Réquiem" (1874), en honor al poeta Manzoni. También compuso el "Himno de las naciones" (1862), que incluye melodías de los himnos italiano, francés e inglés, con texto de Arrigo Boito, así como un cuarteto para cuerdas en mí menor (1873).

La muerte de Giuseppina Streponi, en noviembre de 1897, anula definitivamente la hasta entonces incólume vitalidad del compositor, que fallece en el Grand Hotel de Milán, el 27 de enero de 1901, afectado de un derrame cerebral. Dejó su fortuna para el establecimiento de una casa de reposo para músicos jubilados que lleva su nombre: "Casa Verdi en Milán", donde descansan sus restos. Su entierro suscitó una gran conmoción popular y, al paso del cortejo fúnebre, el público entonó espontáneamente el coro de los esclavos de "Nabucco": "Va, pensiero sull'ali dorate...".

Óperas de Verdi, con detalle del autor del libreto, fecha y lugar del estreno así como algunos fragmentos:
(Fuentes: "Guía universal de la ópera", de Roger Alier, wikipedia, buscabiografias.com, http://www.epdlp.com/ y http://www.youtube.com/).

viernes, 20 de mayo de 2011

LAS ALAS DORADAS DEL PENSAMIENTO

Curioso título ¿verdad? Como tantas y tantas melodías conocidas que resultan ser fragmentos de óperas, yo había escuchado más de una vez el famoso coro: "Va pensiero..." y sabía, vagamente, que se trataba de un "canto a la libertad", que pertenecía a la ópera "Nabbuco", de Verdi y que, en su momento, se pudo convertir en el himno oficial de Italia, tal fue su repercusión. Pero ¿de qué tema trata esta ópera? ¿cuándo y en qué circunstancias la compuso Verdi? ¿por qué el "Va pensiero" pudo convertirse en el himno de Italia?

Escena de "Nabucco". Fuente: flickr.com.

Introducción
"Nabucco" es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi y libreto de Temistocle Solera, según la obra dramática "Nabuchodonosor", de Auguste Anicet-Bourgeois y Francis Corn y el ballet "Nabucodonosor", de Antonio Cortesi. Se estrenó el 9 de marzo de 1842 en La Scala de Milán.

Verdi compuso esta ópera en un momento personal particularmente difícil, puesto que su mujer, Margarita Barezzi, y sus dos hijos habían muerto poco tiempo antes, y Verdi había decidido no volver a componer. El libreto de Temistocle Solera llegó a sus manos por casualidad, en un episodio que podría calificarse de prodigioso; el propio Verdi, en sus "Esbozos autobiográficos", describe cómo las palabras del texto se le convertían en música:

"De camino sentí una especia de desazón inexplicable, una tristeza intensa, un dolor que casi me hacía estallar el corazón. Una vez llegué a casa, lancé el manuscrito a la mesa con un movimiento brusco y me quedé ahí, delante de él, hundido en pensamientos. Al chocar con la mesa, el libro se había abierto; mis ojos fueron a parar, no se bien cómo, a una página abierta ante mí. Y leí: "Va, pensiero sull'ali dorate (...)". Sobrevolé también los siguientes versos y me quedé impresionado, sobre todo al comprobar que éstos procedían casi literalmente de la Biblia, libro que siempre leía gustoso. Leo un párrafo, leo dos. Pero entonces, con el renovado propósito de no componer más, cierro el texto y me voy a la cama. ¡Pero Nabucco no para de darme vueltas en la cabeza! El sueño no quiere acudir, me levanto, leo el libreto no sólo una vez, sino dos, tres, muchas veces; a la mañana siguiente puedo decir que me lo sé de memoria".

"Va, pensiero..." es una majestuosa melodía que, en "Nabucco", está asociada a la situación de cautiverio del pueblo hebreo; pero era inevitable que, dada la situación que vivía el país por aquel entonces, el público la hiciera suya como "himno honorífico" de Italia, un símbolo que, aún hoy, realza y refuerza las ambiciones nacionalistas del pueblo italiano.

Contexto histórico: el "Risorgimento"
A comienzos del siglo XIX, la Península Itálica estaba compuesta por varios estados (Lombardía, bajo el dominio austríaco, los Estados Pontificios, el reino de Piamonte y el reino de las Dos Sicilias, entre otros). Después de varios intentos de unificación entre 1830 y 1848, que fueron aplastados por el gobierno austríaco, la hábil política del Conde de Cavour, ministro del reino de Piamonte, logró interesar al emperador francés Napoleón III en la unificación territorial de la península, que pasaba por expulsar a los austríacos del norte y crear una confederación italiana; a pesar de la derrota del imperio austríaco, el acuerdo no se cumplió.

A pesar de todo, la unificación fue construyéndose lentamente, y no culminó hasta 1870, con la incorporación del último reducto de los Estados Pontificios. La reunificación italiana (considerando que existió una unidad anterior, la "provincia" de Italia, creada por Augusto en la antigua Roma) es conocida como el "Risorgimento".

Génesis de "Nabucco"
Nacida en este ambiente sembrado de guerras por la unificación de Italia, los espectadores pronto vieron en "Nabbuco" (aunque Verdi, quizá, no lo pretendiera así en principio) un símbolo en el que se reflejaban las penalidades que, por entonces, padecía la nación: el tema de la cautividad de los judíos en Babilonia era considerado por el pueblo italiano como una alusión a la oposición al gobierno austríaco en el norte de Italia. Así, surgió la costumbre de aclamar a Victor Manuel como rey de Italia exclamando: "¡Viva Verdi!" (acrónimo de la frase "Vittorio Emanuele Rè d'Italia").

Ese hecho y, por supuesto, las grandes cualidades musicales de la obra, hicieron que "Nabucco" cautivase inmediatamente a toda Italia. Como curiosidad, cabe mencionar que Giuseppina Streponi, que interpretó el papel de Abigail en el estreno de esta ópera, se convertiría más tarde (concretamente en 1859) en la segunda esposa de Verdi.

Personajes
Nabucodonosor, rey de Babilonia (barítono).
Ismael, sobrino del rey Sedecías de Jerusalén (tenor).
Zacarías, sumo sacerdote de los hebreos (barítono).
Abigail, esclava, supuesta hija mayor de Nabucodonosor (soprano).
Fenena, hija de Nabucodonosor (soprano).
El pontífice de Baal (barítono).
Abdalo, antiguo oficial del rey de Babilonia (tenor).
Ana (Rahel), hermana de Zacarías (soprano).
Soldados babilonios y hebreos, hebreos, levitas, vírgenes hebreas, mujeres babiloias, cortesanos, altos dignatarios, guardias y guerreros de la corte de Babilonia, magos, pueblo (coro).

Lugar y época
Jerusalén y Babilonia, en los años 587 y 586 a. de C. y posteriores.

Argumento
Acto I (Jerusalén): "Obertura"; fuente: www.epdlp.com.
En el templo de Salomón, los hebreos ruegan a su dios para que los salve de la amenaza babilonia. El sumo sacerdote, Zacarías, tiene como rehén a Fenena, hija de Nabucodonosor, rey de Babilonia. Fenena e Ismael, sobrino del rey Sedecías, se aman; ella le liberó una vez del cautiverio que sufrió en Babilonia, y ahora él quiere hacer lo mismo por ella. Pero Abigail, considerada la hija mayor de Nabucodonosor y enamorada también de Ismael, irrumpe en el templo con sus soldados. Al verse despreciada por Ismael, jura venganza. Nabucodonosor ocupa el templo y Zacarías amenaza con matar a Fenena, pero Ismael lo impide; a partir de entonces, será considerado como un traidor. El templo queda expuesto al saqueo y los hebreos son deportados a Babilonia.

Torre de David, Jerusalén. Fuente: flickr.com.

Acto II (El malhechor)
Cuadro I. Habitaciones del palacio del rey, en Babilonia. Abigail ha encontrado un documento en el que se pone de manifiesto que ella es tan sólo la hija de una esclava, y que Fenena es la legítima heredera del trono. Nabucodonosor ha nombrado regente a Fenena mientras él mismo continúa su campaña contra los hebreos. Abigail se alía con los sacerdotes de Baal, quienes ven amenazado su poder por Fenena, que es amiga de los hebreos. Los sacerdotes difunden la falsa noticia de que Nabucodonosor ha caído en la lucha.
Cuadro II. Salón en el palacio del rey. Zacarías convierte a Fenena a la religión mosaica. Ismael es condenado por traición, pero la conversión de Fenena lo salva ya que, al haberla ayudado, al fin y al cabo resulta que ha ayudado a una hebrea. Los babilonios, desconcertados por el falso rumor de la muerte de su rey, exigen la coronación de Abigail. Ésta reclama a Fenena la corona. Entonces Nabucodonosor se interpone, se corona a sí mismo y, mientras blasfema contra los dioses de Babilonia y contra el dios de los hebreos y exige que se le venere como a un dios. Entonces, un rayo cae sobre él y lo sume en la locura.

Jardines de Babilonia. Fuente: flickr.com.
Acto III (La profecía)
Cuadro I. Los jardines colgantes de Babilonia. A Abigail se le rinden honores de reina. Los hebreos y Fenena son sentenciados a muerte. El demente Nabucodonosor encuentra su trono ocupado; Abigail le convence que todo lo que está ocurriendo es por su bien pero, cuando Nabucodonosor se da cuenta de que su hija Fenena va a morir, quiere arrebatarle el poder a Abigail, revelándole su verdadero origen. Pero Abigail destruye el documento comprometedor.
Cuadro II. A orillas del Éufrates. Zacarías llama a la resistencia y augura la segura caída de Babilonia. Los hebreos lloran su perdida libertad y su patria: "Va pensiero"; fuente: www.epdlp.com.

"¡Vuela pensamiento, con alas doradas,
pósate en las praderas y en las cimas
donde exhala su suave fragancia
el aire dulce de la tierra natal!..."

Acto IV (El ídolo caído)
Cuadro I. En el palacio del rey de Babilonia, Abigail ha retenido a Nabucodonosor, a quien torturan constantes pesadillas. Despertado por voces y gritos, cree que se trata de la marcha a la guerra contra los hebreos. Cuando se da cuenta de que su hija Fenena es conducida a la muerte, suplica el perdón y la ayuda al dios de los hebreos. Entonces, la locura lo abandona y, junto a algunos fieles y entregados soldados, se pone en marcha para salvar a la joven.
Cuadro II. Jardines colgantes. El ritual del sacrificio debe comenzar: los hebreos deben ser asesinados ante la imagen de Baal. Nabucodonosor pone fin a este ritual y ordena destruir el ídolo. Pero éste se desploma por sí solo y las ataduras de los hebreos se aflojan. El rey otorga la libertad a los prisioneros. Se construirá un templo en honor a Jehová. Abigail muere pidiendo perdón a Fenena y a los hebreos.

(Otras fuentes: "Ópera", de András Batta, wikipedia, buscabiografias.com y www.youtube.com).

jueves, 19 de mayo de 2011

LA ÓPERA Y EL CINE

Asistir a la representación en vivo de una obra de teatro, ya sea éste hablado o cantado, es una experiencia capaz de emocionar no sólo durante la representación en sí, sino ya desde el mismo momento de entrar por la puerta del teatro. En el caso de la ópera, quizá ocurra esto aún con más fuerza por el poder añadido que tiene la música de describir y transmitir, sin necesidad de palabras, sentimientos y emociones. Desgraciadamente, no siempre es posible asistir al teatro, o por lo menos no con la frecuencia que uno desearía, sobre todo para ver una ópera y principalmente debido al elevado precio de las localidades. Así, el "hermanamiento" entre la ópera y el cine es una buena forma de popularizar la lírica.

Teatro La Nuova Fenice, Osimo.
Fuente: flickr.com.
La ópera y el cine se relacionan de diversas formas. Por una parte, están las películas en las que aparecen fragmentos de alguna ópera de forma puntual, porque (por ejemplo) el o los protagonistas asisten a una representación; así ocurre en "Pretty Woman", cuando Richard Geere y Julia Roberts van a ver "La Traviata":


También están aquellas otras películas cuya acción se desarrolla, total o parcialmente, en torno al mundo de la ópera describiendo, pongo por caso, la vida y avatares de algún cantante lírico, real o imaginario, y en las que, como necesaria parte de la trama, aparecen escenas de alguna o algunas óperas. Así ocurre en "La mujer más guapa del mundo", protagonizada por Gina Lollobrigida; veamos una escena de esta película en la que se representa un fragmento de "Tosca", concretamente la escena del fusilamiento:


Y, por supuesto, están las películas que no son sino versiones filmadas de óperas, como la adaptación para el cine de "Cavalleria rusticana" de Mascagni, dirigida por Franco Zefirelli, con Plácido Domingo como Turiddu; escuchémosle cantando la "Siciliana", al principio de la ópera:


Los ejemplos son numerosísimos y tremendamente variados. Por mencionar otras películas, recordemos "Philadephia", la saga de "El padrino", y tantas y tantas otras...

(Fuentes de los fragmentos de vídeo: www.youtube.com).

VOCES PARA LA HISTORIA: LA DIVINA

Nacimiento y primeros pasos
Anna María Kaikilía Kalogeropoúlou era hija de Evangelina Dimitriadis y George Kalogeropoulos, una pareja de emigrantes griegos que llegaron a Estados Unidos en agosto de 1923 y se asentaron en Nueva York. María nació el 2 de diciembre de ese mismo año.

Fuente: artelista.com.

En 1929 George Kalogeropoulos, farmacéutico de profesión, abrió un negocio familiar en el barrio griego de Manhattan. Por la complejidad de su apellido, lo cambió por el de Callas. Tras la separación de sus padres, María viajó a Grecia en 1937 con su madre y su hermana, volviendo a adoptar su apellido original.

Comenzó su formación en el Conservatorio Nacional de Atenas y, para inscribirse, tuvo que falsear la edad, ya que no tenía los 16 años mínimos requeridos. Estudió con las sopranos María Trivella y Elvira Hidalgo; esta última la formó en la tradición del bel canto. En 1938 hará su debut no profesional como Santuzza en "Cavalleria rusticana", en Atenas.

La relación entre María y su madre era difícil. La madre presionaba a María con las clases, y solicitaba a sus profesores que le informasen de todos sus avances; por otro lado, comparaba a María con su otra hija, calificándola de "gorda", poco agraciada y únicamente atractiva por su voz. Años después, María confesaría a la prensa que su madre la apoyó solamente para tener algún sustento económico y que nunca se había sentido querida por ella.

En 1941 María Callas debutó profesionalmente con la opereta "Boccacio", en el Teatro Lírico Nacional de Atenas. Su primer éxito llegó en 1942 con Tosca, en la Ópera de Atenas. También en Atenas cantó "Fidelio", "Tiefland" y, de nuevo, "Cavalleria rusticana". En 1944, María decide volver a los Estados Unidos para encontrarse con su padre.

María Callas mostró tener un carácter muy fuerte y determinante en sus decisiones, que se evidenciaría en el trato con su madre y, más tarde, con Aristóteles Onassis. Fue mítica su rivalidad con Renata Tebaldi. Su voz en los pianos era bellísima, pero acusaba un timbre metálico (muy característico) que no sabía anular con técnica; en ciertos momentos, parecía como si la voz se le "oscureciera", se le "velara". En sus tiempos fue llamada "soprano assoluta". La rápida pérdida de peso en la mitad de su carrera, el cambio constante de repertorio tan variado y a la vez sus problemas personales, son citados como posibles causas del deterioro de su voz.

Consolidación y plenitud
En 1949 María se casa con Giovanni Battista Meneghini (1896-1981), treinta años mayor que ella, al que había conocido durante un viaje a Italia y que sería decisivo en su incipiente carrera. Ese mismo año hace su debut americano en el Teatro Colón de Buenos Aires como "Turandot", "Aída" (sólo una función, reemplazando a Delia Rigal) y "Norma", dirigidas por Tulio Serafin, secundada por Mario del Mónaco, Fedora Barbieri y Nicola Rossi-Lemeni. Escuchémosla en "Norma", de Bellini: "Casta diva"; fuente: www.epdlp.com.

Fuente: fotopedia.com.
En Venecia se iba a representar "I puritani", de Vincenzo Bellini, con Margherita Carosio en el papel de Elvira. Pero sucedió que la Carosio se puso enferma, y el director musical del teatro decidió que la Callas sería la mejor elección para sustituirla. Se le dio una semana para aprender la ópera entera, una semana que además incluía tres representaciones de "Die Walküre". Después de la primera representación de "I puritani" el 19 de enero de 1949, María Callas se convirtió en "la voz de Italia".

Se le ofreció un papel (que Renata Tebaldi no podía realiar) en "Aída", de Giuseppe Verdi, en La Scala de Milán, el teatro más importante del país. María y Meneghini esperaban un gran éxito, pero cuando comenzaron las representaciones, el 12 de abril de 1950, la acogida del público italiano fue fría y la Callas, en un arrebato de cólera, dejó la obra inconclusa tras terminar el segundo acto. Para la segunda representación, el 7 de diciembre de 1950, La Scala se rindió a María Callas, éxito que dio origen a su seudónimo "La Divina".

Mujer muy alta y corpulenta, entre 1953 y 1954 María Callas bajó más de treinta y seis kilos. Cuando reapareció como la tísica Violetta de Luchino Visconti de "La Traviata", en un primer momento, ni el director orquestal Carlo María Giulini la reconoció. Era "otra mujer" y Visconti había hallado la cantante-actriz ideal para sus cinematográficas escenificaciones.

En 1955 canta una "Norma" que adquirirá estatus legendario, junto a Giulietta Simionato y Mario del Mónaco, dirigida por Antonino Votto y en Berlín, junto a Herbert von Karajan, canta una "Lucia di Lamermoor" histórica para la reapertura de la Deutsche Oper Berlin. El delirio del público hace que se deba repetir el sexteto del segundo acto.

En 1956 María debuta en el Metropolitan Opera House de Nueva York con Norma, de Vincenzo Bellini. De ese mismo año, escuchémosla en "Il barbiere di Siviglia", de Rossini: "Una voce poco fa"; fuente: www.liberliber.it. En 1957 tiene lugar la histórica exhumación de "Anna Bolena", de Donizetti, en La Scala, dirigida por Lucino Visconti, y la igualmente histórica "La sonnambula", de Bellini. Durante la gira de la compañía, primero a Colonia y luego a Edimburgo, ante el éxito de las representaciones de "La sonnambula", se agrega una quinta función a las cuatro programadas. María, con toda razón, aduce no estar contratada y se marcha a Venecia donde, en una fiesta que celebraba su amiga Elsa Maxwell, conoce al magnate Aristóteles Onassis.

Un año legendario: 1958
El 27 de marzo de 1958 María cantó en Lisboa, junto al joven tenor canario Alfredo Kraus, una de las representaciones más aclamadas de "La Traviata", de Verdi. Esta función, dirigida por Franco Ghione, es considerada, pese a su sonido precario, como la mejor grabación de es ta ópera. Escuchemos, de esta representación: "Addio del passato"; fuente: www.verdidisco.de. Se conservan, por puro azar, fragmentos filmados de dicha función (fuente: www.youtube.com):

María Callas y Alfredo Kraus en "La Traviata"
Lisboa, 1958.

También de 1958, existe una grabación en vivo (sólo en audio) de "Medea", de Luigi Cherubini: "Figli miei, miei tesor"; fuente: www.liberliber.it.

En 1959, María Callas dejó a su marido por el magnate griego naviero Aristóteles Onassis, con el que vivió una tortuosa relación sentimental. Llegó a retirarse de la escena durante un breve tiempo y, a su regreso, por falta de práctica y excesiva vida social, era evidente que su voz había perdido fuerza y que mostraba signos de decadencia. Fruto de su relación con Onassis, en 1960 dio a luz un niño, al que llamó Omero y que vivió tan sólo unas horas. En 1965, vuelve al Met con dos funciones de "Tosca". Escuchémosla en dos arias de otras dos óperas de Puccini:
Con la esperanza de que Onassis le propusiera matrimonio, en 1966 la Callas renuncia a la ciudadanía estadounidense y toma la nacionalidad griega (con lo que, técnicamente, anulaba su matrimonio con Meneghini). Sin embargo Onassis, tan sólo dos años después, la abandona repentina y abruptamente para casarse con Jacqueline Kennedy, la viuda del presidente norteamericano John Fitzgerald Kennedy, asesinado en Dallas. Callas, herida en lo más profundo de su orgullo, nunca pudo superar el abandono de Onassis y jamás se lo perdonó, a pesar de que éste la buscaría después repetidas veces.

María Callas, que se había instalado en París, volvió a los escenarios en 1973 con Giuseppe di Stefano. Por primera vez en ocho años volvía a cantar en público. Con apenas vestigios de su proverbial voz, quedó claro que su regreso iba a ser un rotundo fracaso.

El 16 de septiembre de 1977, María se despertó en su casa de París. Desayunó en la cama y fue al cuarto de baño. Tenía un dolor punzante en el costado izquierdo y se desmayó. Fue llevada de nuevo a la cama y bebió un café fuerte. El médico acudió rápidamente pero, antes de que llegara, María murió. Su funeral tuvo lugar el 20 de septiembre, y su cuerpo fue incinerado en el cementerio parisino de Père Lachaise. Oficialmente murió de una "crisis cardíaca", pero no se descarta que se suicidara ingiriendo una dosis masiva de tranquilizantes. Su urna fúnebre fue robada y encontrada unos días más tarde; tras su recuperación, se dispersaron sus cenizas en el mar Egeo.

Para terminar, me quedo con una frase del musicólogo Kurt Pahlen, "...su canto asemeja una herida abierta, que sangra entregando sus fuerzas vitales... como si ella fuese la memoria del dolor del mundo...".

(Fuente: wikipedia).

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